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Jean-Michel Jarre se presentará el 8 de julio en València como parte del ciclo FAR, que tiene lugar en la Marina Nord. El innovador de la música electrónica regresa a una ciudad que, como él señala, visitó hace tiempo y destaca por su singular energía: una gran metrópoli en la que “todo está muy cercano” y que para él funciona “como un núcleo, un núcleo atómico”. Este concierto también coincide con un momento particularmente simbólico: la celebración del 50º aniversario de Oxygène, una obra clave que Jarre sigue considerando no como un ejercicio nostálgico, sino como una experiencia artística viva, capaz de perdurar en el tiempo e inspirar a generaciones de creadores. En València, presentará un evento conceptualizado como una experiencia inmersiva, con piezas de su repertorio completamente actualizadas y una escenografía creada con inteligencia artificial de manera “muy poética y orgánica, muy latina”.
No sé si está al tanto, pero hubo un tiempo, allá por los 80, cuando la música electrónica era muy popular en València, incluso más que en Madrid o Barcelona, y también servía para bailar.
Recuerdo haber estado allí hace mucho tiempo con amigos; fue un momento refrescante e importante en mi vida. Creo que València aún guarda ese vínculo especial con la música electrónica. Estoy ansioso por que llegue julio y muy emocionado de compartir un proyecto que significa mucho para mí. Interpretaré algunas canciones y melodías de mi catálogo y carrera, pero todas estarán completamente renovadas. Siempre me he involucrado en la inmersión y la tecnología, tratando de expandir los límites tecnológicos para ofrecer al público la mejor experiencia sonora posible. Como músico, cuido mucho el sonido; es lo mínimo que debes hacer al compartir tu música con los oyentes. Además, en mi adolescencia oscilaba entre la pintura y la música, siempre he estado relacionado con todas las artes visuales y la tecnología visual. Esta vez, he concibido todo el diseño escénico con inteligencia artificial, pero de una forma muy especial: muy poética y orgánica, muy latina. Realmente espero que la gente lo disfrute tanto como yo.
Recuerdo sus conciertos en televisión de niño como algo increíble: la música, el sonido, las luces, las imágenes. ¿Es más complicado hoy sorprender al público en comparación con los años 70 u 80?
No estoy seguro. Siento que contribuí a crear una especie de gramática para los espectáculos. Cuando comencé, nadie hacía mapping ni proyecciones gigantes sobre edificios, incorporando luces, arquitectura luminosa y láseres. Incluso las grandes bandas de rock apenas tenían luces. Hoy en día, evidentemente, no puedes imaginar un espectáculo de electrónica, rock o pop sin un diseño escénico. Sin embargo, no creo que haya menos creatividad por el acceso a más libros o películas; en realidad es todo lo contrario. Al final, lo que importa es el contenido. No estoy en una onda nostálgica. El espectáculo que compartiré en València es muy de 2026.
Muchas personas temen la disrupción tecnológica, incluido la inteligencia artificial. Hay bastante controversia y se dice que la IA marca el fin de la creatividad. ¿Cuál es su opinión?
Eso me recuerda al inicio de la fotografía, cuando los pintores firmaban peticiones en contra, proclamando que era el fin de la pintura. O cuando introduje la música electrónica en la Ópera de Francia: algunos músicos de la orquesta desconectaban el sistema de sonido, argumentando que la música electrónica era el final de la orquesta. Es una historia que parece no tener fin. Estoy emocionado con el concepto de este nuevo proyecto y muy contento de compartirlo con el público español. Siempre me siento muy privilegiado por recibir una cálida acogida en España, desde el principio con Oxygène, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook y Electronica. Tengo un vínculo muy especial con España y siempre es una gran alegría.
Pero eso es algo que usted dirá en todos los países en los que actúa.
Sí, muchos artistas internacionales mencionan lo maravilloso que es ir a España como un truco de marketing, pero en mi caso, las primeras cartas de fans que recibí, aparte de las de Francia, vinieron de España. Una de mis frustraciones es que mi madre, que era una gran persona, me obligó a estudiar alemán en lugar de español. Fue un gran error, ya que tenía un nivel bastante bajo de alemán y perdí la oportunidad de conectar mejor con los españoles.
Quizá esa conexión que han tenido los españoles con su música se deba a que, en sus inicios, su música simbolizaba la modernidad. Y en los años 70 y 80, España tenía una gran sed de modernidad tras la dictadura.
Sí, creo que sí. Cuando comencé mi carrera, era un momento de gran optimismo respecto al futuro; pensábamos que en el año 2000 el mundo sería perfecto, que los sistemas sociales y educativos serían ideales, y que los coches volarían. Mi música encapsulaba ese tipo de optimismo y conexión con el espacio. Nunca la concebí como algo relacionado con el espacio exterior, sino más bien como un vínculo con nuestro entorno; Oxygène era muy simbólica en ese aspecto. Por ello, siempre he tenido interés en transmitir esa sensación de inmersión y de espacio. La música está compuesta de espacio y tiempo. Me gustaría mencionar también que tanto nosotros, los españoles, como los franceses, somos latinos. La música electrónica en sus inicios no tiene nada que ver con el blues y el rock; no tiene conexión con América. Proviene de nuestra herencia de música clásica, de la pintura, del impresionismo –en el trabajo sobre texturas– y, en cierto punto, del surrealismo.
¿De qué manera han influido en usted figuras como Breton o Dalí?
La idea de mezclar el sonido de un pájaro con un clarinete o una lavadora es muy latina y surrealista. Nosotros inventamos el surrealismo, y las raíces de la música electrónica provienen de esos movimientos europeos. Durante mi adolescencia, veía bandas de rock como Soft Machine o Pink Floyd y pensaba: “Esta es la revolución de mi generación, pero es una revolución sajona, no la mía”. Cuando me involucré en la música electrónica, afirmé: “Esta es nuestra revolución como artistas latinos”. Permite la creación de piezas de 10 u 11 minutos sin seguir las reglas del pop americano ni el formato de la canción de tres minutos con letra.
Para sus fans, siempre ha sido la música del futuro, pero ¿qué significa hoy el futuro para usted?
Considero que el pasado es un prólogo para el presente o el futuro. No estoy obsesionado con lo que viene; mi motor es la curiosidad. Siempre he tenido el deseo de probar y explorar nuevos lenguajes o herramientas. La tecnología es el mejor catalizador de la creatividad. Es gracias a la invención del violín que Vivaldi compuso su música; gracias a la electricidad tenemos a Jimi Hendrix, Rosalía o Billie Eilish. Es por la invención de los componentes electrónicos que personas como yo pueden crear la música que hacemos, y hoy, gracias a la invención de la inteligencia artificial, se generarán los estilos musicales y películas del mañana. La tecnología es neutral; todo depende de cómo se utilice. La piratería existía antes de la electricidad y seguirá existiendo después de la IA. No deberíamos mezclar todo eso.
¿Qué es lo que más le entusiasma de la IA como herramienta creativa?
Es similar a la llegada de las cajas de ritmos o del sampling. La gente decía que acabarían con los baterías, pero estos tuvieron que evolucionar. Con la IA ocurre algo parecido. Podemos crear imitaciones de canciones pop usando IA, pero también hay personas que hacían falsos Picassos o falsos Dalís; eso no cuestiona la validez de la pintura. El pincel es neutral; depende del artista detrás de él. Para mí, la IA es como una “supermusa”. Es menos “inteligencia artificial” y más “imaginación aumentada”. Es una manera de expandir y enriquecer mi inspiración, como un superasistente con múltiples brazos y manos, una especie de Shiva digital.
¿Debería existir algún límite a la creación utilizando IA?
El único límite es mi imaginación, no la IA. Estoy convencido de que los años 2020 se recordarán como la edad de oro de la IA, como los inicios del cine en blanco y negro o los primeros samplers. En los años 80, el “Rolls-Royce” del sampling era el Fairlight, y sólo podías samplear 0,8 segundos en 8 bits. Hoy podemos samplear horas en alta definición, pero en aquel entonces hacíamos cosas interesantísimas que ahora no podemos replicar. La IA de hoy está llena de errores, limitaciones e imperfecciones; no obedece siempre. Sin embargo, todos esos accidentes crean algo que en 10 o 20 años será demasiado perfecto. Mi consejo a los jóvenes artistas es que exploren la IA por sus debilidades y fallos; es una fuente increíble de inspiración.
Cuando escucha sus discos de los años 70 u 80, ¿siente que con la tecnología actual podría haberlos hecho mejor?
En absoluto. Es como mirar una película en blanco y negro; no dices “qué pena que no sea en color” al ver Metrópolis. Cada época tiene sus ventajas y desventajas. Para ser honesto, no estoy realmente interesado en escuchar lo que he hecho antes; no estoy en una onda nostálgica. Me interesa el presente. Antes de València, voy a actuar en Ibiza por el 50º aniversario de Amnesia. Lo fascinante del concepto de “amnesia” es la idea de olvidar el pasado y el futuro; lo que realmente importa es el presente. Es una actitud bastante punk, en un sentido positivo. Como artista, soy bastante egoísta; en primer lugar, creo para mí mismo. No estoy pensando en agradar al público; el público decidirá si sigue o no. Lo que realmente me importa es intentar mejorar lo que tengo en mente, que es como un espejismo que persigues toda la vida. Es como Pedro Almodóvar, los Beatles o Kubrick: es una variación del mismo mundo o de lo que llamamos estilo. Ves 30 segundos de una película de Almodóvar y sabes que es él. Utilices las herramientas que utilices -un smartphone o una cámara en blanco y negro-, será tu estilo. La IA no es una amenaza ya que se basa en lo pasado, pero lo que hace único a un artista es su estilo.
¿Ese “egoísmo” es lo que le impulsa a continuar avanzando sin quedar atrapado en su pasado?
Sí y no. Creo en dos cosas: primero, soy un ladrón; robo todo lo que oigo, veo o leo como parte de mi inspiración. En segundo lugar, un verdadero artista no conoce la jubilación, porque la creación es una obsesión. Persigues obsesivamente el sueño de la película, el libro o la música perfectos, y es como un espejismo o una burbuja: crees que te acercas y, de repente, se te escapa. Esa mezcla de frustración y esperanza es el mejor motor para seguir adelante.
Jean-Michel Jarre. / F Rousseau EDDA
Sus conciertos están fuertemente ligados al lugar en que se celebran. ¿Qué importancia tiene el entorno al diseñar el sonido?
Pinto con los oídos. Mi objetivo en València es crear la banda sonora de una historia o película que el público puede construir en su propia mente mientras escucha mi música y disfruta del espectáculo. Eso es lo que aprecio de la música instrumental en comparación con las canciones; la música electrónica forja la banda sonora de una película que puedes imaginar en tu propio corazón.
¿Fue importante para usted en este sentido la figura de Maurice Jarre, su padre, uno de los compositores de bandas sonoras más célebres de Hollywood?
Lamentablemente, no tuve una conexión con mi padre; nos dejó a mi madre y a mí cuando tenía cinco años. Siempre pensé que las bandas sonoras y la música para cine eran su dominio, por lo que rechacé muchos proyectos porque no quería ser “el hijo de Maurice Jarre”, quería ser Jean-Michel Jarre. Pero falleció hace más de 15 años, y ahora lo recuerdo con mucho cariño; estoy seguro de que ahora me está guiando para encontrar la inspiración adecuada.
¿Es difícil equilibrar la imaginación sonora y el espectáculo visual?
Para mí, la música es el núcleo de todo, y luego compongo la “pista visual”. Me percaté muy pronto de que estar dos horas sentado detrás de un sintetizador o un ordenador no es lo más emocionante del mundo. Intenté definir una gramática o un vocabulario para la interpretación de la música electrónica en directo. Cuando era adolescente, me interesé en la ópera porque esos grandes músicos colaboraban con pintores y escenógrafos para potenciar el impacto de la música.
Después de una larga carrera, ¿ya sabe cuándo una nueva pieza o espectáculo realmente funcionan?
Nunca lo sabes a ciencia cierta. Primero tiene que funcionar para ti. Sin embargo, la trampa del estudio es que no sabes si realmente te gusta algo porque es interesante o simplemente porque te has habituado a ello. Recuerdo haber estudiado música electrónica y grabar tres minutos de ruido en la calle; después de escucharlo todo el día en casa, mis hijos se familiarizaron con cada canto de pájaro o sonido de bicicleta que aparecía, y dejó de ser ruido para transformarse en una especie de pieza musical. En el estudio, si pasas semanas trabajando en una canción, no sabes si te gusta “como a tu perro”, porque la ves todos los días. Siempre es buena idea contar con personas de confianza a tu alrededor, con oídos en los que confiar, para recibir diferentes opiniones.
Cuando ha mencionado su actitud punk, me imaginé a un punk de la vieja escuela, de aquellos de “no future”, con cara de asombro.
Es curioso, acabo de regresar de China, donde una startup de IA recreó mi figura tal como era a los 25 años. Tuve ese momento loco de conversar con un holograma de mí mismo a esa edad. Solo le dije: “No te preocupes, haga lo que hagas, todo saldrá bien al final”.
Jean-Michel Jarre en concierto. / L-EMV
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Fuente original: www.laopiniondemurcia.es
Publicado originalmente el 2026-05-11 09:27:00 por
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