IEn una modesta sala de la oficina de su sello discográfico en Londres, Jean-Michel Jarre detalla la agotadora experiencia de crear su nuevo álbum, el cual describe como “un viaje iniciático de cuatro años”. Electronica 1: The Time Machine requirió tanto tiempo no solo porque insistió en contar con un colaborador de alto perfil para cada pista, sino también porque priorizó conocer a cada uno de ellos en persona en lugar de intercambiar archivos de sonido por Internet. Al final, la demanda fue tal que un álbum de 16 pistas y 70 minutos no pudo incluir a todos; un segundo volumen está previsto para la próxima primavera.
Los críticos han sido históricamente desdeñosos con Jarre desde que irrumpió con sus sintetizadores y sus álbumes instrumentales en el auge del punk. Sin embargo, quienes duden de su impacto en la música electrónica contemporánea deberían revisar la lista de canciones de Electronica 1, que incluye un elenco impresionante: el experto holandés en EDM Armin Van Buuren, junto a Pete Townshend y el cineasta y compositor de bandas sonoras John Carpenter, así como el concertista de piano Lang Lang, y grupos como Fuck Buttons, Boys Noize, Air y M83. “Todas estas personas comparten dos cosas”, afirma. «En primer lugar, tienen un enfoque orgánico del sonido. Además, todos son geeks».
Se podría argumentar que Electronica 1 representa el último gran gesto en una carrera llena de grandes gestos. Jarre fue el primer artista occidental en actuar en vivo en China, uno de los primeros en adoptar tecnología de vanguardia (su álbum de 1981 Magnetic Fields fue pionero al utilizar el sampler Fairlight CMI que definió el sonido del pop en la siguiente década) y el autor de Music for Supermarkets, un álbum de 1983 del cual solo se produjo y vendió una copia en una subasta, aparentemente como protesta contra una industria musical “que quiere vender música como pasta de dientes y yogur, no como una obra de arte”.
Jarre ilumina las pirámides de Giza en El Cairo para dar la bienvenida al nuevo milenio el 1 de enero de 2000. Fotografía: Marwan Naamani/AFP/Getty Images
Y no podemos olvidar los espectaculares shows en vivo, que definieron su carrera en las décadas de 1980 y 1990. Pocos símbolos representan mejor el exceso pop de finales de los 80 –lo que se podría calificar como el deseo de grandiosidad post-Live Aid– que Jarre actuando en un escenario flotante bajo una lluvia torrencial en los Docklands de Londres, dejando de lado su keytar para tocar un “arpa láser” mientras lucía lo que parecían guantes de cocina.
En persona, es considerablemente más reflexivo de lo que su apodo de el rey de la grandilocuencia sintetizada podría sugerir. Esto podría inferirse de su música: como él mismo señala, el gran éxito de su álbum de 1976, Oxygène, tendió a oscurecer lo inquietante y melancólico que en realidad era escuchar muchas de sus piezas, dado que el álbum presenta un cráneo en descomposición sobrepuesto a la Tierra en su portada. Es tentador afirmar que se dedicó a ser “muy cerebral e intelectual sobre la estructura de los sonidos” mientras estudiaba con el pionero de la música concreta Pierre Schaeffer; 50 años después, Jarre parece tener una teoría intrigante sobre temas tan diversos como la valoración de la propiedad intelectual en un mundo de música en streaming y piratería en la red (es presidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores) y la relación entre hacer música electrónica y cocinar. (“Hay un enfoque muy táctil y sensual al sonido”, dice, acentuando su acento francés, “manipulando frecuencias, tocando físicamente formas de onda con un mouse”).
Stardust, la colaboración de Jarre con Armin Van Buuren.
La entrevista avanza a través de una serie de largas y fascinantes digresiones; si les explicara por qué la música electrónica es más atemporal que otros géneros, ocuparía el resto del artículo. Baste decir que su discurso incluye el manifiesto futurista italiano de 1913, The Art of Noises de Luigi Russolo, las máquinas de discos, el trabajo del productor canadiense Richie Hawtin bajo el alias Plastikman, la grabación de Sketches of Spain de Miles Davis, Chopin, la invención del piano y de la caja de ritmos Roland TR-808, terminando con la observación triunfante, y con razón, de que si escuchaste Electronica 1 –incluyendo colaboraciones con Fuck Buttons y el difunto Edgar Froese– sería difícil discernir cuál de ellas corresponde a un dúo de veintitantos y cuál a un septuagenario que fallecería poco después.
Jarre tenía una figura singular al inicio de su carrera en los años 60. Músico clásico formado en un conservatorio, intentó hacer carrera como guitarrista y vocalista en una banda parisina de garaje llamada Dustbins (que eran, según él, “bastante punk”), pero se sentía más atraído por grabar los sonidos de la banda en una grabadora de carrete a carrete que le legó su abuelo, luego acelerarlos, desacelerarlos o reproducirlos al revés. Su interés por la grabación lo llevó a inscribirse en el Groupe de Recherche Musicales de Schaeffer. Le fascinaba la creencia de Schaeffer de que “la música no se compone solo de notas o arpegios, sino de sonidos”, y le entusiasmaba el espíritu revolucionario de 1968, “completamente en rebelión con el pasado”. Dedicó sus energías a lanzar el artefacto más pop, un sencillo de 7”, La Cage/Erosmachine de los años 70. “Pensé que era absurdo que todas esas instituciones tuvieran una mentalidad tan cerrada e ignoraran lo que sucedía en las calles. Quería crear un puente entre la música experimental y el pop”.
Con su entonces esposa, la actriz británica Charlotte Rampling. Fotografía: Jane Bown/The Guardian
Incluso cuando logró su objetivo con Oxygène –un álbum que desafió las predicciones de su sello, que pronosticó que no tendría éxito porque “no hay cantante, no hay drama, todas las pistas duran 10 minutos y, además, es francés” al vender 15 millones de copias– Jarre parecía estar distante de sus contemporáneos. En los años 70, el mundo apenas necesitaba a los pioneros continentales de los sintetizadores, pero Jarre era apuesto y glamuroso; adjetivos que nadie se apresuró a aplicar a Vangelis o Florian Schneider de Kraftwerk. Era, y sigue siendo, muy atractivo (tiene 70 años pero parece 25 años más joven) y estaba casado con la famosa actriz Charlotte Rampling (la pareja se divorció en 1997).
La mayoría de los pioneros de los sintetizadores de los años 70 parecían dispuestos a fusionarse en el anonimato: Kraftwerk no podía esperar para enviar robots al escenario en lugar de actuar en vivo; Vangelis se encerró en un estudio pintado de negro, bautizado con el nombre del desesperado aventurero submarino Capitán Nemo de Julio Verne; Tangerine Dream, como Jarre señala, a menudo abandonaban el escenario y dejaban que sus secuenciadores tocaran solos, “como una declaración, como si dijeran ‘la máquina es más importante que nosotros’”. Jarre, en cambio, se mostraba más como una estrella de rock. “Procediendo de la escena del rock, creía que esta música debía interpretarse, como cualquier otro tipo de música. Pero hubo problemas. No resulta muy atractivo estar detrás de un sintetizador durante dos horas. Los principales instrumentos de rock y los clásicos fueron diseñados para la interpretación, para compartir la música con una audiencia, mientras que los instrumentos de música electrónica fueron concebidos en laboratorios y luego intentamos llevarlos al escenario.”
Gloria de Jean Michel Jarre, con M83.
Afirma que estaba más interesado en “apoderarse de un lugar por una noche y ofrecer algo diferente, en lugar de querer ser una especie de David Bowie o algo por el estilo”. Otra de sus teorías se centra en por qué la música electrónica debe interpretarse al aire libre. Así fue como nació el gran espectáculo de la actuación en vivo de Jean-Michel Jarre, que estableció récords, con sus fuegos artificiales, arpas láser y proyecciones de video en los edificios. Un millón de personas asistieron a su presentación en la Place de la Concorde en 1979, convirtiéndose en uno de sus shows más modestos: 2.5 millones lo vieron en La Défense de París en 1990; 3.5 millones fueron testigos de su actuación en 1997 en Moscú. Se pueden ver claros ecos de esta estética del más es más en los absurdos espectáculos de sonido y luz que se presentan en raves de EDM en Estados Unidos: al igual que el elenco de Electronica 1, es un reflejo de su influencia en la música actual.
Sin embargo, Jarre es mucho más ambiguo sobre los grandes espectáculos de lo que se podría suponer. «Me siento muy afortunado de haber actuado en China y en las pirámides, en todos esos lugares fantásticos, pero eso creó una especie de cortina de humo entre el público y yo como músico. La idea era que esto fuera una extensión de mi música y no lo contrario, pero de repente me sentí…» – busca la palabra – «vampirizado por luces, láseres y grandes conciertos. Caí en ese exceso de los años 80 y 90, esta histeria del rock’n’roll. Necesitaba detener eso y concentrarme en la música”.
En un momento, tan interesado estaba en volver a lo básico que realizó una gira sin utilizar una computadora, usando solo sintetizadores antiguos, tocados al estilo de un cuarteto de jazz clásico. «Fue un verdadero dolor de cabeza, una pesadilla», ríe, «pero al público le encantaba cuando los viejos sintetizadores fallaban, porque eso es humano». Aun así, no cree que las estrellas del EDM contemporáneo tengan mucho que aprender de su experiencia de no dejar que el espectáculo eclipse su música. «Generación tras generación, hay esta actitud despectiva y condescendiente hacia la siguiente generación o forma de pensar – ya sea en música, arte, política o lo que sea. Y yo nunca he sido así».
Siento que vamos hacia una de sus teorías, y así lo demuestra. Ésta se refiere a la nostalgia. «Siempre soy cauteloso con esta tendencia levemente reaccionaria entre generaciones, esta idea tonta de ‘ayer fue mejor y mañana será peor’. No estoy de acuerdo con esto. ¿Acaso el siglo XIX fue mejor? La gente perdía los dientes a los 18 años, no había antibióticos, y tres cuartas partes de la población moría de hambre. Deberíamos dejar de pensar así. Estos son nuestros grandes días».
Fuente original: www.theguardian.com
Publicado originalmente el 2015-10-15 07:00:00 por
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