– Jean-Michel Jarré
Jean-Michel Jarre se siente cómodo ante grandes aglomeraciones. Ha ofrecido conciertos en vivo ante más de un millón de espectadores en múltiples ocasiones a lo largo de su carrera, logrando ingresar en Récords Mundiales Guinness. Su mayor multitud física se reunió en 1997, en Moscú, para celebrar el 850 aniversario de la ciudad, donde 3.5 millones de personas llenaron las calles esa noche. En el ámbito digital, superó esta cifra con su actuación de Nochevieja “Welcome to the Other Side”, que atrajo a 75 millones de espectadores, liderando el Estrella de encuesta en su lista de las 100 transmisiones principales del primer trimestre.
Desde la década de 1970, Jarre ha sido un innovador, desafiando las fronteras de la música electrónica y el diseño de espectáculos. Siempre ha buscado ofrecer algo singular y significativo. Por ejemplo, lanzó solo una copia de su álbum de 1983 Musique pour Supermarché (“Música para supermercados”) y destruyó las placas maestras, justo al comienzo de la era del CD. Jarre anticipó que este nuevo formato, que permitía grandes volúmenes de existencia física de música, podría disminuir el valor de la creación original.
El avance digital solo se intensificó con el auge de las descargas. Por un tiempo, parecía que lo digital amenazaría la industria de la música grabada. Después vino el streaming, y más recientemente, el blockchain. Este libro mayor descentralizado facilita las transacciones con criptomonedas fungibles y tokens no fungibles (NFT) que son únicos. Las NFT permiten a los artistas crear obras que son digitales, pero verdaderamente singulares. Es evidente que Jarre, quien ha dedicado su carrera a proteger los derechos de autor de los artistas, está muy interesado en esta nueva tecnología. Recientemente lanzó la primera exposición de criptoarte social en realidad virtual del mundo durante SXSW 2021, titulada Cryptopia, donde presentó y vendió una serie de imágenes en blanco y negro y bucles de videos animados de su espectacular concierto en Nueva York.
Pollstar: Su espectáculo virtual de Nueva York en Notre Dame fue visto por 75 millones de espectadores. ¿Cómo fue esa experiencia para ti?
Jean-Michel Jarre: Me quedé asombrado. He tocado ante grandes multitudes, pero nunca pensé que podría ser mejor en un mundo de realidad virtual que en uno físico. Ni el equipo ni yo sabíamos qué esperar. Alrededor de 150 personas colaboraron conmigo en esto, y realmente empujamos los límites para crear algo diferente. Todos queríamos establecer un estándar, no solo en términos de números de audiencia, sino en nuestra aproximación a la realidad virtual.
¿Cómo lo consiguieron?
Ha habido muchos proyectos de realidad virtual; la gente habla de lo virtual, pero a menudo solo se trata de una actuación pregrabada colocada en un entorno preexistente, como un videojuego. En su mayoría, se filma al artista frente a una pantalla verde y luego se inserta en un contexto de realidad virtual, pero eso no es en vivo. Lo que intenté en este proyecto fue abordar la iluminación y el diseño del escenario como lo harías en un espectáculo real, cuidando cada detalle, como las sombras. Estos contrastes son muy complejos de lograr en un entorno de realidad virtual.
En cierto modo, fue divertido, ya que me recordó a mis inicios, cuando comenzamos a usar osciladores de estaciones de radio públicas en Francia, que no estaban diseñados para fines musicales. Fue algo parecido con “Welcome to the Other Side”, donde tomamos un software que no estaba destinado a lo que hacíamos y lo utilizamos de manera creativa para lograr la calidad necesaria. Mi computadora portátil, de hecho, se expandió como un globo por el calor.
¿Qué te motivó a recrear Notre Dame?
La catedral ha sido tan afectada como nosotros durante la pandemia. La idea de transmitir un mensaje de esperanza para Nochevieja fue muy especial. Me dio la energía y el deseo de crear más en el ámbito de la realidad virtual. Esperamos todos salir de este túnel oscuro en el que estamos atrapados, en ambos lados del charco.
Creo que la VR, la XR y la AR deben considerarse como formas de expresión válidas por derecho propio.
Es similar al cine a finales del siglo XIX, cuando las películas eran proyectadas en circos y vistas como trucos de magia. Muchos en el mundo del teatro decían: «no son actores, un verdadero actor está en el escenario frente al público». Creo que la VR/AR se encuentra en una situación similar. Debemos ver este arte no como una competencia con festivales y espectáculos reales, sino como un medio propio que refleja el lenguaje de nuestra era tecnológica. Nuestro proyecto de realidad virtual atrajo a un público más joven porque hablaba su idioma.
La cantidad de espectadores sugiere que hay un gran potencial para la venta de entradas en eventos de realidad virtual. ¿Estás de acuerdo?
Definitivamente. En el caso de “Welcome to the Other Side”, producido en colaboración con la ciudad de París, siempre se pensó como un concierto gratuito de Nochevieja. Es crucial encontrar formas de monetizar este tipo de producciones. Estoy convencido de que lo que ofrecimos al público en Nochevieja tiene un valor claro y que la gente estará dispuesta a pagar por ello, igual que lo haría en un festival o en el cine.
Debemos aprovechar esta época de pandemia como una oportunidad para cambiar el paradigma. Si queremos respetar a los artistas, ya sea de música, cine o artes visuales, debemos acostumbrarnos a decir: «Está bien, si estoy viendo un concierto, ópera, película o lo que sea en vivo por Internet, eso tiene un valor y estoy dispuesto a pagarlo». Curiosamente, este periodo oscuro hará que la gente comprenda y acepte esto. Durante este tiempo, hemos hecho dos cosas fundamentales: salir a comprar comida y ver películas o escuchar música o leer libros. Ahora tenemos evidencia del valor que tiene la cultura, especialmente la música, en nuestras vidas.
Sin música, películas o libros, habría sido una desesperanza total. Por lo tanto, soy bastante optimista acerca de poder monetizar esta realidad; ya está sucediendo para algunos, pero aún no es suficiente.
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¿Cómo fue la exposición de criptoarte en SXSW?
Estamos muy satisfechos con los resultados; recibimos muchas visitas y preguntas, dado que fue una gran novedad. Abrir una galería virtual es emocionante, y observar a los visitantes interactuando con la exposición fue interesante por varias razones.
¿Puedes compartir tu fascinación por las criptomonedas?
Hay múltiples razones. Hace un tiempo lancé un álbum titulado Música para Supermercados, del que solo vendí una copia, tal como se haría con una pintura. Quería hacer una declaración al inicio de la era del CD: no debemos olvidar la importancia y el valor de la creación. Nuestra relación con los derechos de autor sigue siendo muy relevante. Todos sabemos lo difícil que ha sido para la industria musical y cultural adaptarse al mundo digital, tanto financiera como económicamente. Creo que el criptoarte representa un enfoque interesante para abordar la economía de cualquier proceso creativo que se utilice en un entorno digital. Es la noción de (un) original.
Lo que da valor a una pintura, como la Mona Lisa, por ejemplo. Si tienes una buena reproducción, puedes disfrutarla casi igual. No obstante, el original tiene un valor completamente diferente, porque lo hizo el artista. Quizás podamos ver la música de la misma forma. Esto podría ayudar a los jóvenes creadores a sobrevivir en tiempos difíciles, y por eso estoy interesado en explorar esta nueva forma de compartir obras, ya sean musicales o visuales.
¿Puedes ser más específico?
Es bastante irónico: hoy todos criticamos a las grandes corporaciones en Internet, que supuestamente son las culpables. Pero la realidad es más compleja. Debemos cuestionar: ¿Estamos considerando que una revista comprada en una tienda física tiene el mismo valor que la versión digital? El contenido es el mismo y el talento detrás de él es el mismo. Entonces, ¿por qué debería ser diez veces menos o gratis? Esto también se aplica a las películas, libros y música.
(Tokens no fungibles) Los NFT ofrecen un concepto muy interesante para reevaluar el contenido creativo. El arte es el único sector donde puedes pagar 10 dólares al inicio del mes y acceder a prácticamente todo. Imagina pagar $10 en tu supermercado local y comprar lo que desees. La entrega a través de blockchain es fascinante en ese sentido, y por eso quiero explorar esto. Sin embargo, hay preocupaciones ambientales ya que las transacciones en criptoarte consumen mucha energía. Esto debe resolverse; de lo contrario, será un gran problema. Un porcentaje de todas las ventas de Cryptopia se destinará a una ONG llamada Carbon180, como un intento de equilibrar el consumo energético.
También estás participando en una exposición física llamada Amazônia, que se inaugurará el 7 de abril, para la cual creaste la banda sonora. ¿Puedes hablar más al respecto?
Será una exposición itinerante durante los próximos cinco años, diseñada junto al fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, uno de los mejores en su campo. Esta exposición, Amazonia, es una de sus obras más significativas. Pasó años en la (Amazonía brasileña) capturando diferentes aspectos de la región, no solo la deforestación, sino también la vida de las personas allí. Es un proyecto extraordinario.
Me sentí honrado al ser solicitado para crear la banda sonora. Decidí hacer una versión binaural, no solo estéreo, para recrear el concepto del bosque. Pasear por un bosque está lleno de sonidos: cantos de pájaros, el susurro del viento entre las hojas, un avión surcando el cielo. Todo eso es bastante armonioso. Intenté combinar sonidos electrónicos, orquestales, étnicos y de la naturaleza para lograr un entorno inmersivo. No soy un gran fan del sonido binaural, ya que a menudo no suena convincente. Sin embargo, en este caso, estoy muy satisfecho con el resultado, porque la composición incluye muchos sonidos diferentes que permiten esta espacialidad y experiencia envolvente.
Fuente original: news.pollstar.com
Publicado originalmente el 2021-04-01 07:00:00 por
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