Jean-Michel Jarre se presentará el 8 de julio en València como parte del ciclo FAR, que tiene lugar en la Marina Nord. Este pionero de la música electrónica vuelve a una ciudad que, como él mismo rememora, visitó hace años y de la que resalta su energía única: una gran urbe en la que “todo está muy cerca” y que para él actúa “como un núcleo, un núcleo atómico”. El concierto también se lleva a cabo en un momento muy simbólico: la celebración del 50 aniversario de Oxygène, una obra fundamental que Jarre continúa considerando no como un ejercicio de nostalgia, sino como un experimento artístico vigente, capaz de resistir el paso del tiempo y de influir en generaciones sucesivas de creadores. En València, ofrecerá un espectáculo diseñado como una experiencia inmersiva, con piezas de su repertorio completamente renovadas y una escenografía creada con inteligencia artificial “de manera muy poética y orgánica, muy latina”.
No sé si lo sabe, pero hubo un tiempo, en los años 80, en que la música electrónica era especialmente popular en València, incluso más que en Madrid o Barcelona, y, además, era un estilo para bailar.
Recuerdo haber estado allí hace años con amigos, y fue un momento refrescante e importante en mi vida. Pienso que València todavía mantiene hoy ese vínculo especial con la música electrónica. Estoy ansioso por que llegue julio y feliz de compartir este proyecto tan especial para mí. Interpretaré algunas piezas y melodías de mi repertorio y carrera, pero están completamente renovadas. Siempre he estado involucrado en la inmersión y tecnología, buscando empujar los límites para ofrecer al público el mejor sonido posible. Como músico, cuido mucho el sonido; es lo mínimo que puedes hacer para compartir tu música. Además, cuando era adolescente, me movía entre la pintura y la música, siempre vinculado a todas las artes visuales y la tecnología visual. Esta vez, he diseñado toda la escenografía y puesta en escena con inteligencia artificial, pero de una forma muy especial: poética y orgánica, muy latina. Y realmente espero que la gente lo disfrute tanto como yo.
Recuerdo sus conciertos en televisión cuando era niño como algo fascinante: la música, el sonido, las luces, las imágenes. ¿Es más difícil impresionar hoy al público que en los años 70 u 80?
No lo sé. Siento que contribuí a crear una especie de gramática para los espectáculos. Cuando comencé, nadie hacía mapping o proyecciones gigantes sobre edificios, incorporando luces, arquitecturas de luces y láseres. Incluso las grandes bandas de rock tenían solo algunas luces, y eso era todo. Hoy, por supuesto, no puedes imaginar un espectáculo de electrónica, rock o pop sin un diseño escénico. Pero no porque haya más libros o películas hay menos creatividad; es al revés. Lo que realmente importa es el contenido. No estoy en la nostalgia. El espectáculo que compartiré en València es muy de 2026.
Muchas personas temen la disrupción tecnológica, como la inteligencia artificial. Hay muchas controversias y se alega que la IA es el fin de la creatividad. ¿Qué piensas al respecto?
Eso me recuerda a los inicios de la fotografía, cuando los pintores firmaban peticiones en contra, alegando que era el fin de la pintura. O cuando introduje la música electrónica en la Ópera de Francia: algunos músicos de la orquesta desconectaban el sistema de sonido, diciendo que la música electrónica acabaría con la orquesta. Es una historia interminable. Estoy muy entusiasmado con el concepto de este nuevo proyecto y feliz de compartirlo con el público español. Siempre me he sentido privilegiado por la cálida acogida en España, desde el principio con Oxygène, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook y Electronica. Tengo un vínculo muy especial con España y es siempre una gran alegría.
Pero eso usted lo dirá en todos los países donde actúe.
Sí, muchos artistas internacionales dicen que es maravilloso ir a España como una táctica de marketing, pero en mi caso, las primeras cartas de fans que recibí, además de Francia, vinieron de España. Una de mis frustraciones es que mi madre, que era una gran persona, me hizo estudiar alemán en vez de español. Fue un gran error, porque tenía un nivel muy bajo de alemán y perdí la oportunidad de conectar mejor con los españoles.
Quizá esa conexión que los españoles tienen con su música se deba a que, en sus inicios, su música representaba la modernidad. Y en los años 70 y 80, España tenía hambre de modernidad tras la dictadura.
Sí, creo que es cierto. Cuando empecé mi carrera, era una época de gran optimismo sobre el futuro; pensábamos que en el año 2000 el mundo sería perfecto, que los sistemas sociales y educativos funcionarían a la perfección y que los coches volarían. Mi música llevaba ese tipo de positividad y conexión con el espacio. Nunca lo vi como algo relacionado con el espacio exterior, sino más bien con el espacio que nos rodea, el entorno; Oxygène era muy simbólico en ese aspecto. Por eso siempre me ha interesado transmitir esa sensación de inmersión y de espacio. La música se compone de espacio y tiempo. Pero me gustaría añadir que tanto nosotros, los españoles, como los franceses, somos latinos. La música electrónica en sus inicios no está relacionada con el blues y el rock; no tiene que ver con América. Proviene de nuestra herencia de música clásica, de la pintura, del impresionismo: el trabajo sobre las texturas y, en cierto sentido, del surrealismo.
¿Cómo le afectaron Breton o Dalí?
El enfoque de mezclar el canto de un pájaro con un clarinete o una lavadora es muy latino y surrealista. Nosotros inventamos el surrealismo y las raíces de la música electrónica provienen de esos movimientos europeos. Cuando era adolescente, admiraba bandas de rock como Soft Machine o Pink Floyd y pensaba: “Esta es la revolución de mi generación, pero es una revolución sajona, no es la mía”. Cuando comencé en la música electrónica, pensé: “Esta es nuestra revolución como artistas latinos”. Permite piezas de 10 u 11 minutos sin seguir las reglas del pop americano ni la norma de la canción de tres minutos con letra.
Para sus fans, su música siempre ha sido la del futuro, pero, ¿qué significa hoy el futuro para usted?
Siempre considero que el pasado es un prólogo del presente o del futuro. No estoy obsesionado con el futuro; lo que me mueve es la curiosidad. Siempre he tenido curiosidad por probar y explorar nuevos lenguajes o herramientas. La tecnología es el mejor catalizador de la creatividad. Es porque inventamos el violín que Vivaldi creó su música; es porque inventamos la electricidad que tenemos a Jimi Hendrix, Rosalía o Billie Eilish. Es gracias a la invención de los componentes electrónicos que personas como yo pueden generar la música que hacemos hoy, y hoy estamos comenzando a crear con inteligencia artificial los estilos musicales y las películas del mañana. La tecnología es neutral; depende de cómo la utilices. La piratería existía antes de la electricidad y seguirá existiendo después de la IA. No deberíamos mezclar todo eso.
¿Qué es lo que más le entusiasma de la IA como herramienta creativa?
Es como cuando llegaron las cajas de ritmos o el sampling. La gente decía que acabarían con los bateristas, pero los bateristas tuvieron que evolucionar gracias a ellas. Con la IA pasa lo mismo. Podemos crear canciones pop falsificadas con IA, pero también había personas que hacían falsos Picassos o falsos Dalís; eso no desmerece la pintura. El pincel es neutral; depende de quién lo maneje. Para mí, la IA es una especie de “supermusa”. Es menos “inteligencia artificial” y más “imaginación aumentada”. Es una manera de expandir y enriquecer mi inspiración, como un asistente digital con múltiples brazos y manos, una especie de Shiva digital.
¿Debería existir algún límite en la creación con IA?
El límite es mi imaginación, no la IA. Creo que los años 2020 se recordarán en el futuro como la edad dorada de la IA, como los inicios del cine en blanco y negro o los primeros samplers. En los años 80, el “Rolls-Royce” del sampling era el Fairlight, que solo permitía samplear 0.8 segundos en 8 bits. Hoy podemos samplear horas en alta definición, pero en ese entonces realizábamos cosas muy interesantes que ya no podemos hacer. Hoy la IA está llena de errores, limitaciones e imperfecciones; no obedece. Pero todos esos accidentes generan algo que en 10 o 20 años será demasiado perfecto. Mi consejo a los jóvenes artistas es que exploren la IA ahora, por sus debilidades y fallos; es una fuente fantástica de inspiración.
Cuando escucha sus discos de los años 70 u 80, ¿siente que con la tecnología actual podría haberlos hecho mejor?
En absoluto. Es como ver una película en blanco y negro; no piensas “qué pena que no sea en color” cuando ves Metrópolis. Cada época tiene sus ventajas y desventajas. Para ser sincero, no estoy realmente interesado en escuchar lo que hice en el pasado; no estoy en la nostalgia. Me interesa el presente. Antes de València, tocaré en Ibiza por el 50 aniversario de Amnesia. Lo interesante en el concepto de “amnesia” es la idea de olvidar el pasado y el futuro; lo que importa es el presente. Es una actitud bastante punk, en un sentido positivo. Como artista, soy un poco egoísta; ante todo creo para mí mismo. No pienso en hacer esto para agradar al público; el público puede seguirme o no. Lo que me interesa es mejorar continuamente lo que tengo en mente, que es como un espejismo que sigo toda mi vida. Es como Pedro Almodóvar, los Beatles o Kubrick: es una declinación del mismo mundo o de lo que llamamos estilo. Ves 30 segundos de una película de Almodóvar y sabes que es él. Utilices las herramientas que utilices -un smartphone o una cámara en blanco y negro-, será tu estilo. La IA no es un peligro porque se nutre del pasado, pero lo que hace único a un artista es su estilo.
¿Ese “egoísmo” es lo que le impulsa a seguir adelante sin quedar atrapado en su pasado?
Sí y no. Creo dos cosas: primero, soy un ladrón; absorbo todo lo que escucho, veo o leo como parte de mi inspiración. Segundo, un verdadero artista no conoce la jubilación, porque la creación es una obsesión. Persigues apasionadamente el sueño de la película, el libro o la música perfectos, y es como un espejismo o una burbuja: crees que estás cerca y luego se te escapa. Esa mezcla de frustración y esperanza es el mejor motor para continuar.
Jean-Michel Jarre. / F Rousseau EDDA
Sus conciertos están íntimamente ligados al lugar donde se celebran. ¿Qué importancia tiene el entorno al diseñar el sonido?
Pinto con los oídos. Mi objetivo en València es crear la banda sonora de una historia o película que el público pueda construir en su mente mientras disfruta de mi música y del espectáculo. Eso es lo que me agrada de la música instrumental en contraste con las canciones; la música electrónica configura la banda sonora de una película que puedes imaginar en tu propio corazón.
¿Fue significativa la figura de Maurice Jarre, su padre, uno de los compositores de bandas sonoras más destacados de Hollywood?
Desafortunadamente, no tuve conexión con mi padre; él dejó a mi madre y a mí cuando solo tenía cinco años. Siempre sentí que las bandas sonoras y la música para cine eran su dominio, así que rechacé muchos proyectos porque no quería ser “el hijo de Maurice Jarre”, buscaba ser Jean-Michel Jarre. Pero él falleció hace más de 15 años, y hoy lo pienso con cariño; estoy seguro de que ahora me apoya para encontrar la inspiración adecuada.
¿Es difícil equilibrar la imaginación sonora y el espectáculo visual?
Para mí, la música es el núcleo de todo, y luego compongo la “pista visual”. Me di cuenta rápidamente de que estar dos horas detrás de un sintetizador o un ordenador no es lo más emocionante. Trato de establecer una gramática o vocabulario para la interpretación de la música electrónica en vivo. Cuando era adolescente, me interesaba la ópera porque esos grandes músicos colaboraban con pintores y escenógrafos para potenciar la fuerza de la música.
Después de una carrera tan larga, ¿sabe cuándo una nueva pieza o espectáculo realmente funciona?
Nunca lo sabes con certeza. Primero, tiene que funcionar para ti. Pero la trampa de estar en el estudio es que no sabes si algo te gusta porque es interesante o simplemente porque te has acostumbrado a ello. Recuerdo haber estudiado música electrónica y grabando tres minutos de ruido en la calle; después de escuchar todo el día en casa, mis hijos se familiarizaron con cada canto de pájaro o sonido de bicicleta, y dejó de ser ruido para transformarse en una especie de pieza musical. En el estudio, después de semanas con una canción, no sabes si te gusta “como a tu perro”, porque la ves todos los días. Siempre es útil tener a personas con oídos en los que confíes cerca, para recibir diferentes opiniones.
Cuando mencionó su actitud punk, me imaginé a un punk de los de antes, de los de “no future”, con cara de asombro.
Es curioso, acabo de regresar de China, donde una startup de IA me recreó como era a los 25 años. Tuve el extraño momento de conversar con un holograma de mí mismo a esa edad. Solo le dije: “No te preocupes, hagas lo que hagas, al final todo estará bien”.
Jean-Michel Jarre en concierto. / L-EMV
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Fuente original: www.levante-emv.com
Publicado originalmente el 2026-05-10 04:01:00 por
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