Sure! Here’s the rewritten content with the HTML tags preserved:
Jean-Michel Jarre se presentará el 8 de julio en València como parte del ciclo FAR, que tiene lugar en la Marina Nord. El pionero en música electrónica regresa a una ciudad que, como él mismo recuerda, visitó hace tiempo y de la que resalta su energía única: una gran urbe donde “todo está a la mano” y que para él actúa “como un núcleo, un núcleo atómico”. El concierto también coincide con un momento simbólico: la celebración del 50º aniversario de Oxygène, una obra fundamental que Jarre ve no como un ejercicio nostálgico, sino como un experimento artístico contemporáneo, capaz de perdurar en el tiempo e inspirar a futuras generaciones de creadores. En València ofrecerá un espectáculo diseñado como una experiencia inmersiva, con piezas de su repertorio completamente renovadas y una escenografía creada con inteligencia artificial “de manera poética y orgánica, muy latina”.
Quizás no lo sepa, pero en los años 80 la música electrónica alcanzó gran popularidad en València, incluso más que en Madrid o Barcelona, y además era perfecta para bailar.
Recuerdo haber estado allí con amigos hace mucho tiempo; fue un momento revitalizante e importante en mi vida. Creo que València continúa manteniendo ese vínculo especial con la música electrónica. Estoy ansioso por ese momento en julio y muy contento de compartir un proyecto que significa mucho para mí. Interpretaré algunas canciones y composiciones de mi carrera, pero completamente renovadas. Siempre he estado involucrado en la inmersión y la tecnología, esforzándome por empujar los límites tecnológicos para ofrecer al público la mejor experiencia sonora posible. Como músico, cuido mucho el sonido; es lo mínimo que se puede hacer para compartir la música con el público. Además, en mi adolescencia pasaba entre la pintura y la música, siempre vinculado a las artes visuales y a la tecnología visual. Esta vez he diseñado todo el espectáculo y la escenografía utilizando inteligencia artificial, pero de una forma muy especial: de manera poética y orgánica, muy latina. Espero sinceramente que la gente lo disfrute tanto como yo.
Recuerdo sus conciertos en televisión cuando era niño como algo impresionante: la música, el sonido, las luces, las imágenes. ¿Es más difícil hoy en día impresionar al público que en los años 70 u 80?
No estoy seguro. Creo que ayudé a establecer una especie de gramática para los espectáculos. Cuando comencé, nadie hacía mapping o proyecciones gigantes en edificios, con luces, arquitectura luminosa y láseres. Incluso las grandes bandas de rock tenían solo un par de luces, y eso era todo. Hoy en día, por supuesto, no se puede concebir un espectáculo de electrónica, rock o pop sin diseño escénico. Pero no porque haya más libros o películas haya menos creatividad; es lo contrario. Lo que realmente importa es el contenido. Yo no estoy anclado en la nostalgia. El espectáculo que voy a presentar en València es muy del 2026.
Muchas personas temen la disrupción tecnológica, como la inteligencia artificial. Hay mucha controversia y se dice que la IA marca el fin de la creatividad. ¿Cuál es su opinión?
Eso me recuerda a los inicios de la fotografía, cuando los pintores firmaban peticiones en contra, argumentando que era el fin de la pintura. O cuando introduje la música electrónica en la Ópera de Francia: algunos músicos de la orquesta desconectaban el sistema de sonido, alegando que la música electrónica era el fin de la orquesta. Es una historia eterna. Estoy bastante emocionado con el concepto de este nuevo proyecto y muy contento de compartirlo con el público español. Siempre me siento privilegiado por la cálida acogida en España, desde el principio con Oxygène, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook y Electronica. Tengo una relación muy especial con España, y siempre es una gran alegría.
Pero eso lo dirá usted en todos los países donde se presenta.
Sí, muchos artistas internacionales afirman que es maravilloso actuar en España como parte de una estrategia de marketing, pero en mi caso, las primeras cartas de fanáticos que recibí, además de las de Francia, venían de España. Una de mis frustraciones es que mi madre, una persona maravillosa, me obligó a estudiar alemán en lugar de español. Fue un gran error, porque tenía muy poco nivel de alemán y perdí la chance de conectar mejor con los españoles.
Quizás esa conexión que los españoles han tenido con su música se deba a que, en sus inicios, representaba la modernidad. Y en los años 70 y 80, España estaba ansiosa por modernizarse tras la dictadura.
Sí, creo que es cierto. Cuando comencé mi carrera era un tiempo de gran optimismo hacia el futuro; pensamos que para el año 2000 el mundo sería perfecto, que los sistemas sociales y educativos funcionarían perfectamente y que los coches volarían. Mi música reflejaba ese tipo de positividad y conexión con el espacio. Nunca lo vi como algo relacionado con el espacio exterior, sino más bien con el espacio que nos rodea; Oxygène simboliza eso. Por ello, siempre me ha interesado transmitir esa sensación de inmersión y espacio. La música está formada por espacio y tiempo. Pero quiero añadir algo sobre nosotros, españoles y franceses: somos latinos. La música electrónica en sus inicios no tiene relación con el blues y el rock; no tiene nada que ver con América. Proviene de nuestra herencia de música clásica, pintura, del impresionismo —el trabajo sobre texturas— y, en cierto modo, también del surrealismo.
¿Cómo le han influido Breton o Dalí?
El enfoque de mezclar el canto de un pájaro con un clarinete o incluso una lavadora es muy latino y también surrealista. Nosotros creamos el surrealismo, y las raíces de la música electrónica provienen de esos movimientos europeos. Cuando era adolescente, escuchaba bandas de rock como Soft Machine o Pink Floyd y pensaba: “Esta es la revolución de mi generación, pero es una revolución sajona, no la mía”. Cuando me adentré en la música electrónica, dije: “Esta es nuestra revolución como artistas latinos”. Permite crear obras de 10 u 11 minutos sin seguir las reglas del pop americano ni el formato de las canciones de tres minutos con letra.
Para sus fanáticos, su música siempre ha sido del futuro, pero ¿qué significa hoy el futuro para usted?
Siempre veo el pasado como un prólogo del presente o del futuro. No estoy obsesionado con el futuro; lo que me impulsa es la curiosidad. Siempre he tenido curiosidad por experimentar con nuevos lenguajes y herramientas. La tecnología es el mejor catalizador de la creatividad. Es porque inventamos el violín que Vivaldi pudo crear su música; es porque introdujimos la electricidad que tenemos a Jimi Hendrix, Rosalía o Billie Eilish. Es gracias a los componentes electrónicos que personas como yo pueden hacer su música, y hoy en día es porque estamos inventando la inteligencia artificial que generará los estilos musicales y las películas del mañana. La tecnología es neutral; depende de cómo se use. La piratería existió antes de la electricidad y existirá después de la IA. No deberíamos mezclar todos esos temas.
¿Qué es lo que más le entusiasma de la IA como herramienta creativa?
Es como cuando surgieron las cajas de ritmos o el sampling. La gente decía que eso acabaría con los bateristas, pero los bateristas evolucionaron gracias a eso. Lo mismo sucede con la IA. Podemos crear canciones pop con IA, pero también había personas que hacían falsificaciones de Picassos o Dalís; eso no invalida la pintura. La herramienta es neutral; depende de quien la maneje. Para mí, la IA es una especie de “supermusa”. Es menos “inteligencia artificial” y más “imaginación aumentada”. Es una forma de ampliar y enriquecer mi inspiración, como un asistente digital con múltiples brazos y manos, una especie de Shiva digital.
¿Debería haber algún límite en la creación con IA?
El límite es mi imaginación, no la IA. Creo que los años 2020 serán reconocidos en el futuro como la era dorada de la IA, al igual que los inicios del cine en blanco y negro o los primeros samplers. En los años 80, el “Rolls-Royce” del sampling era el Fairlight, y solo podías muestrear 0,8 segundos en 8 bits. Hoy podemos muestrear horas en alta definición, pero en ese entonces hacíamos cosas muy interesantes que ya no podemos replicar. En este momento, la IA está llena de errores, limitaciones e imperfecciones; no obedece. Pero todos esos accidentes crean algo que dentro de 10 o 20 años será demasiado perfecto. Mi consejo a los jóvenes artistas es que exploren la IA ahora, por sus debilidades y fallos; es una fuente maravillosa de inspiración.
Cuando escucha sus discos de los años 70 u 80, ¿siente que podría haber hecho algo mejor con la tecnología actual?
En absoluto. Es como ver una película en blanco y negro; no piensas “qué pena que no sea en color” al ver Metrópolis. Cada época tiene sus ventajas y desventajas. Para ser honesto, no estoy realmente interesado en escuchar lo que he hecho en el pasado; no estoy en la nostalgia. Me interesa el presente. Antes de València, tengo un concierto en Ibiza por el 50º aniversario de Amnesia. Lo curioso del concepto de “amnesia” es la idea de olvidar tanto el pasado como el futuro; lo que realmente importa es el presente. Es una actitud bastante punk, en un sentido positivo. Como artista, soy un poco egoísta; en primer lugar, creo para mí mismo. No pienso en crear para complacer al público; el público vendrá o no. Lo que realmente me interesa es mejorar lo que tengo en mente, que es como un espejismo que persigues toda la vida. Es como Pedro Almodóvar, los Beatles o Kubrick: es una manifestación del mismo mundo o de lo que llamamos estilo. Escuchas 30 segundos de una película de Almodóvar y sabes que es él. Las herramientas que uses -un smartphone o una cámara en blanco y negro- determinarán tu estilo. La IA no es una amenaza porque se alimenta del pasado; pero lo que hace único a un artista es su estilo.
¿Ese “egoísmo” es lo que le mantiene avanzando sin quedar atrapado en su pasado?
Sí y no. Creo en dos cosas: primero, soy un ladrón; tomo todo lo que escucho, veo o leo como parte de mi inspiración. En segundo lugar, un artista verdadero no conoce la jubilación, porque crear es una obsesión. Buscas incansablemente la película perfecta, el libro o la música ideales, es como un espejismo o una burbuja: sientes que estás cerca y luego se te escapa. Esa mezcla de frustración y esperanza es el mejor motor para continuar.
Jean-Michel Jarre. / F Rousseau EDDA
Sus conciertos están íntimamente relacionados con el lugar en el que se realizan. ¿Qué importancia tiene el entorno al diseñar el sonido?
Pinto con los oídos. Mi objetivo en València es crear la banda sonora de una historia o película que el público pueda construir en su mente mientras escucha mi música y disfruta del espectáculo. Eso es lo que me atrae de la música instrumental en comparación con las canciones; la música electrónica construye la banda sonora de una película que puedes crear en tu propio corazón.
¿Tuvo importancia en ese sentido la figura de Maurice Jarre, su padre, uno de los compositores de bandas sonoras más renombrados de Hollywood?
Desafortunadamente, no tuve una conexión real con mi padre; nos dejó cuando yo tenía cinco años. Siempre consideré que las bandas sonoras y la música para cine eran su ámbito, así que rechacé muchos proyectos porque no quería ser “el hijo de Maurice Jarre”, quería ser Jean-Michel Jarre. Sin embargo, él falleció hace más de 15 años, y ahora le recuerdo con mucho cariño; estoy seguro de que ahora me está ayudando a encontrar la inspiración adecuada.
¿Es complicado equilibrar la imaginación sonora y el espectáculo visual?
Para mí, la música es el elemento central, y luego compongo la “pista visual”. Me di cuenta pronto de que estar dos horas detrás de un sintetizador o un ordenador no era lo más emocionante. Trabajé para definir una gramática o un vocabulario para la interpretación de la música electrónica en directo. En mi adolescencia, me fascinaba la ópera porque esos grandes músicos colaboraban con pintores y escenógrafos para potenciar el poder de la música.
Después de una carrera tan longeva, ¿sabe cuándo una nueva pieza o espectáculo realmente funciona?
Nunca se sabe realmente. Primero, debe funcionar para mí. Pero la trampa del estudio es que no puedes discernir si algo te gusta porque es interesante o simplemente porque te has acostumbrado a ello. Recuerdo haber estudiado música electrónica y grabado tres minutos de ruido en la calle; después de tenerlo de fondo todo el día en casa, mis hijos familiarizaron cada canto de pájaro y sonido de bicicleta que se escuchaba, y dejó de ser ruido para convertirse en una especie de pieza musical. En el estudio, cuando pasas semanas con una canción, no sabes si te gusta “como a tu perro” porque te la has encontrado todos los días. Siempre es bueno tener cerca a personas de confianza que puedan ofrecerte diferentes perspectivas.
Cuando ha mencionado su actitud punk, me imagino a un punk de antaño, de esos del «no future», poniendo cara de susto.
Es curioso, acabo de regresar de China, donde una startup de IA me recreó tal como era a los 25 años. Tuve ese momento surrealista de interactuar con un holograma de mí mismo a los 25. Solo le dije: “No te preocupes, hagas lo que hagas, al final todo saldrá bien”.
Jean-Michel Jarre en concierto. / L-EMV
Suscríbete para seguir leyendo
Fuente original: www.elperiodicodearagon.com
Publicado originalmente el 2026-05-11 09:27:00 por
Hashtags sugeridos: #Para #mí #significa #Inteligencia #Artificial #sino #Imaginación #Aumentada