Desde música concreta hasta espectáculos en estadios, Jean-Michel Jarre ha sido un pionero futurista, pero accesible, de la electrónica durante décadas. En su gira de 2010, cuando el arte generado por IA seguía siendo un concepto, Prog lo encontré rindiendo homenaje al escritor visionario Arthur C. Clarke, argumentando por un reinicio de las futuras ambiciones de la humanidad.
En el ámbito del programa electrónico, ninguna figura es tan grande como Jean Michel Jarre. Ha vendido 80 millones de álbumes, organizó algunos de los eventos en vivo más espectaculares que el mundo ha visto y prácticamente ha llevado el uso del sintetizador instrumental a la academia y a los centros de arte de vanguardia. Sin embargo, a pesar de todos sus logros, a menudo resulta tentador considerarlo irrelevante.
A raíz de su ascenso meteórico a la fama con su debut de 1977 Oxígeno y el seguimiento de 1978 Equinoccio, una nueva generación de innovadores llegó al campo electrónico. En 1979, el exadvenedizo del punk Gary Numan inició una ola de electro-pop que desplazó a las estrellas del sintetizador de los años 70. La vanguardia había cambiado, dejando atrás las suites serpenteantes en favor de álbumes más concisos.
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Nuevos grupos como Depeche Mode y New Order pronto siguieron, dominando las listas, mientras que nombres como Tangerine Dream, Klaus Schulze y el propio Jarre comenzaron a perder terreno. La década de 1990 fue aún más dura, con la cultura dominante de la música dance alejando a Jarre y su estilo como anacronismos de un pasado desactualizado.
Todo esto a pesar de la enorme influencia que los pioneros de los años 70 tuvieron en el synth pop, dance, trance, techno y prácticamente cualquier forma de música electrónica.
Sin embargo, Jarre nunca ha flaqueado en su compromiso y su perfil se ha mantenido alto. Continúa grabando y de gira regularmente, y, para su crédito, se ha negado a caer en la zona de confort. Aunque los álbumes Oxígeno 7-13 y Oxígeno: nueva grabación maestra han explotado el legado que le pertenece legítimamente, no ha dependido en gran medida de la nostalgia.
Obras como el año 2000 Metamorfosis —su primer álbum en presentar canciones con letras— y el orientado a la danza Tema y en sí mismo han demostrado su voluntad de salir de su zona de confort, tomar riesgos e incluso adentrarse en territorios dominados por generaciones más jóvenes.
Cualesquiera que sean los méritos de su producción de estudio, sus shows en vivo siguen siendo atracciones populares, y continúa actuando a una escala que pocos pueden igualar. Aunque su gira mundial en curso es prácticamente un paquete de grandes éxitos, Jarre sigue innovando y enfrentándose a nuevos desafíos en el camino. Como todo lo que hace, es grande, pero hay un elemento de aleatoriedad y caos benigno en sus actuaciones actuales, notablemente diferentes de la teatralidad coreografiada a la que normalmente está asociado.
«He hecho todo lo posible para que sea emocionante y visual», explica Jarre. «He intentado enfatizar el lado cinematográfico de la música para esta gira. No es respetuoso sentarse detrás de una computadora portátil durante dos horas: la gente está comprando boletos, después de todo. Estoy en el escenario con otros tres chicos y es totalmente en vivo».
Lo sorprendente sobre el programa de 2010 de Jarre es lo físico que es todo. Su llegada al escenario a través de una audiencia animada es solo el comienzo. Se mantiene animado en todo momento mientras sus compañeros tocan con la amplia gama de sintetizadores antiguos, trotando por el escenario y produciendo sonidos mientras pasa junto a cada instrumento, orquestando episodios de improvisación mientras avanza.
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Él utiliza un acordeón para Cronología 6 antes de encender el legendario arpa láser para Cita. Es increíblemente práctico; y con todo lo que sucede en tiempo real, la emoción está en el aire. «Si cometes un error en el escenario, la audiencia se da cuenta», dice Jarre. «Es un elemento de peligro. Es un momento único y hace que cada concierto sea diferente. Hoy en día, tanto está preprogramado. Estoy tratando de hacer que cada concierto sea un momento único que pueda compartir esa noche con esa audiencia».
Si la gira tiene un tema no oficial, es el redescubrimiento del análogo. Jarre ha abrazado abiertamente la síntesis digital y el muestreo desde el principio, en particular en 1981 Campos magnéticos y 1984 Zoólogo. Sin embargo, a lo largo de los años ha regresado repetidamente a la tecnología del pasado y a los instrumentos mercuriales que popularizó hace tanto tiempo.
El sonido que se reproduce es tan importante como las notas que se tocan… y hay cosas que no se pueden hacer con lo digital.
«Olvidamos lo que nos dio la era analógica», admite Jarre, «y hemos olvidado lo que le debemos a ese período. Esos instrumentos desaparecieron en los años 80 y no tuvieron la oportunidad de crecer ni madurar. Hoy, un violinista toca un Stradivarius, un instrumento del siglo XVII. Un guitarrista sueña con un Gibson Les Paul ’58. Para mí, es lo mismo con el analógico.
«En los inicios de lo digital podías tocar acordes y notas, pero con sonidos preprogramados. Con la tecnología analógica puedes controlar todo el color y el tono de los sonidos. El sonido que se reproduce es tan importante como las notas que se tocan. La gente busca la calidez, y hay cosas que no puedes hacer con lo digital».
Persiste la percepción de que la música electrónica es generalmente fría e impersonal. En los años 70, esa opinión era común y alimentó debates más amplios sobre hacia dónde nos llevaba la tecnología. Los sintetizadores eran vistos como inherentemente poco musicales, incluso una amenaza para la música, especialmente la música en vivo, lo que alimentaba tendencias luditas basadas en temores sobre lo desconocido.
«Como parte de mi trabajo inicial, me pidieron hacer algo para el teatro», recuerda Jarre, «y tuvimos problemas con la Unión de Músicos tratando de desenchufar los altavoces porque pensaron que nuestras máquinas los reemplazarían!»
Las pesadillas distópicas de una música dominada por computadoras nunca se materializaron. Ha habido música electrónica extremadamente austera y alienante a lo largo de los años, pero la noción de que la tecnología socavaría radicalmente los fundamentos de cómo se crea y se realiza la música nunca ha pasado a ser una realidad. La mayoría de los experimentos con música puramente generada por computadora han demostrado ser fallidos desde una perspectiva humana.
Desde los años 60, cuando hablamos de música, estamos hablando de canciones. Pero la música, históricamente, es sin palabras.
Y ahí radica uno de los secretos del éxito de Jarre: la dimensión humana. Su paleta tonal puede ser etérea y de otro mundo, pero él mismo sigue siendo el punto focal y es una estrella en el sentido clásico. Donde el sueño de Tangerine Dream desapareció en catedrales góticas, y Kraftwerk intentó diseñarse fuera de la existencia con reemplazos robóticos, Jarre fue siempre el centro del escenario, rodeado de parafernalia de alta tecnología, iluminado como un árbol de Navidad junto a un millón de fuegos artificiales que explotaban arriba.
Es una celebridad que ha estado casada tres veces, dos de ellas con actrices, y un programa de chat de televisión regular en revistas de entretenimiento como ¡Hola! ¿Cuánto sabes sobre la vida privada de Edgar Froese o Ralf Hütter?
Además de que Jarre presenta una cara humana, sus primeras composiciones tenían una sensación orgánica que atraía a muchos que de otro modo no se habrían considerado fanáticos de la música electrónica. Sus tonos cálidos, melodías burbujeantes y sutiles influencias de la música folclórica francesa crearon un mundo sonoro acogedor y reconfortante, incluso cuando el estado de ánimo era melancólico o reflexivo. Crucialmente, su naturaleza instrumental permitió que su música cruzara fronteras culturales y se convirtiera en un lenguaje verdaderamente universal.
«Lo único único en la música instrumental es que estás en el proceso narrativo directo», dice Jarre. “Estás proporcionando una historia a alguien. La música instrumental es la forma de expresión más interactiva, donde le das al público la libertad de construir su propia historia, su propio escenario o su propia película en sus mentes.
Siempre pensé que era artificial llamar a una parte de Oxígeno: tonto en una colina cuando no cuento la historia de un tonto en una colina!
«Siempre sentí que había algo muy especial en la música sin palabras. Desde los años 60, cuando hablamos de música, estamos hablando de canciones. Pero las canciones son solo una parte de lo que es la música; históricamente, la música no tiene palabras.
“Para mí, la música electrónica es como la pintura: lidiar con diferentes texturas y colores para crear perspectivas y paisajes sonoros en lugar de contar una historia. La razón por la cual muchos de mis álbumes están divididos en partes es que siempre pensé que era artificial llamar a una parte Oxígeno: tonto en una colina cuando no cuento la historia de un tonto en una colina!
En su primera audiencia, su música sonaba altamente futurista. Las líneas limpias y el pulso preciso evocar visiones de una era maravillosa por venir, una era de iluminación para una humanidad unida. La imagen de Jarre en la parte posterior de Equinoccio lo representa en un traje espacial plateado, situado frente a un paisaje urbano amplio y limpio al atardecer. Es una imagen del hombre, su entorno urbano y su naturaleza en armonía, una visión tentadora de un futuro positivo para la humanidad que se establece en la banda sonora.
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La sensación de alegría y asombro en Oxígeno y Equinoccio nunca se ha perdido. La humanidad puede estar más alejada que nunca del futuro utópico de promesas pasadas, pero Jarre mantiene su visión positiva.
Su última gira se denomina 2010 por más que la razón evidente. Es un homenaje a Arthur C. Clarke, la imponente figura literaria y científica que ha influido considerablemente en la vida y el trabajo de Jarre. Se podría incluso llamarlo su mentor. Al final, los sentimientos de admiración fueron mutuos, con Clarke escribiendo en su libro 2010: Odyssey dos: «Escuché obsesivamente todos los álbumes de Jean Michel Jarre, hasta el punto de conocer cada nota de memoria. Su música me acompañó mientras escribía».
Nuestra relación con el futuro está llena de ansiedad y culpa… es bastante arrogante pensar que tenemos el futuro del planeta en nuestras manos.
Jarre dice: «¡No podía creer lo que veía cuando vi eso! Soy un gran fan de 2001, el libro y la película. Estuve en Londres en 1982 cuando salió la secuela 2010. Compré el libro y me sorprendió ver mi nombre en los agradecimientos. Entonces le escribí una carta y comenzamos a correspondencia. Era un personaje muy interesante. Así que pensé que, al comenzar este proyecto mundial realmente especial en 2010, sería bueno simplemente llamarlo 2010 como homenaje a él».
La pareja compartió una sensación de posibilidades ilimitadas y sin explotar para el desarrollo futuro de la raza humana. Al buscar nuevos mundos sonoros, Jarre continúa su búsqueda de toda la vida para reinventar lo que la música puede ser, para inspirar a otros a trascender sus supuestas limitaciones y perseguir lo imposible.
«Tenemos una visión sombría del mañana», dice. «Nuestra relación con el futuro está llena de ansiedad y culpa por la contaminación, el medio ambiente, el calentamiento global, cómo vamos a sobrevivir en el planeta y todo eso. Incluso si es parcialmente cierto, creo que es bastante arrogante pensar que tenemos el futuro del planeta en nuestras manos.
«Hay mucha limitación en todo esto y es hora de restaurar una visión dinámica para el futuro que no solo esté vinculada al reciclaje de nuestra basura y todas esas cosas. Personas como Arthur C. Clarke nos han dado una perspectiva muy optimista del futuro. Era como si, después del año 2000, nada fuera a ser igual. Teníamos muchas esperanzas, fantasías y sueños sobre el futuro.
«En estos días, con el año 2000 detrás de nosotros, es como si fuéramos huérfanos de nuestro propio futuro. Creo que necesitamos recrear una visión dinámica para nuestro futuro que hemos perdido».
Fuente original: www.loudersound.com
Publicado originalmente el 2025-05-15 07:00:00 por
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