Su álbum Oxygène acaba de celebrar su 40 aniversario. Fue un proyecto que usted inició en casa, y se dice que incluso lo mezcló en su propia cocina. ¿Cómo evoca esos días en la actualidad?
Es muy interesante, porque al comenzar a trabajar en Oxygène, la música electrónica no disfrutaba de la popularidad que tiene hoy en día. Éramos solo un par de chicos inquietos experimentando con equipos inusuales. En aquella época, los estudios de grabación solían tener una cabina con una ventana que separaba a los músicos del ingeniero, quien actuaba como un guardián tras esa ventana. Aparte de la música, yo quería controlar el sonido que grababa, ser mi propio ingeniero. Así que la única solución fue construir mi propio estudio. Y lo hice en la cocina, donde grabé y mezclé todo personalmente.
Hoy en día, puedes grabar discos desde una laptop en casa, pero en aquel tiempo era un enfoque muy único, y marcó un precedente para cómo se grabaría música en el futuro. Registré el álbum en seis semanas, y cuarenta años después, pensé: ¿por qué no hacer un nuevo Oxygène con la misma filosofía minimalista? En ese momento, lo grabé en 8 pistas, y para el nuevo Oxygène (2016), decidí grabarlo en seis semanas con un equipo minimalista, y así fue exactamente como lo realicé.
Cuando grabó el álbum original, tenía apenas 28 años, y su éxito fue casi inmediato. Resultó ser el disco más vendido en la historia de Francia.
¡Lo curioso es que fue rechazado por todas las discográficas! Decían que no tenía batería, no había cantante, y que algunas canciones superaban los diez minutos, lo que las hacía inviables para la radio. Fue sorprendente que, finalmente, un pequeño sello en Francia lo aceptara, y luego alcanzara el éxito que todos conocemos, aunque al principio no fue fácil.
Con el nuevo álbum de la serie Oxygène, usted intentó grabar nuevamente con equipos analógicos. ¿Qué opina sobre las nuevas técnicas de grabación?
De hecho, pasé los últimos cinco años trabajando en el proyecto Electronica, colaborando con grandes artistas de la industria, como Moby, Air, Massive Attack, Armin Van Buuren, Gary Numan y Pet Shop Boys, combinando técnicas analógicas y digitales. Cada instrumento tiene su propio carácter, ya sea un clarinete o una trompeta. Si buscas un sonido analógico cálido, nada sustituye a un minimoog, un prophet o un arp 2600. Si buscas algo más nítido o brillante, los instrumentos digitales son ideales. Depende de lo que desees lograr. Para el nuevo Oxygène, incluso usé un iPad, pero la idea era seleccionar la menor cantidad de instrumentos posible y mantener esa filosofía minimalista.
Para la creación de Electronica 1, usted viajó personalmente alrededor del mundo para colaborar con otros artistas, sin enviar archivos digitales ni correos electrónicos. ¿Cómo se siente al trabajar de esta manera?
Todos valoramos el contacto humano y disfrutar compartir en persona. Enviar archivos por internet no era la idea del proyecto; pretendía trabajar con personas que fueran una fuente de inspiración para mí dentro del ámbito de la música electrónica, y compartir el proceso creativo que forma parte de nuestro ADN musical. Así que decidí viajar por el mundo, encontrarme con estas personas y trabajar en su entorno. Terminé con casi dos horas y media de música, que dividí en los discos Electronica 1 y 2. La originalidad del proyecto radica en haber mezclado el trabajo de muchas personas diferentes y en que cada pista buscara un buen equilibrio entre mi mundo, mi sonido y el sonido de otros artistas.
Está a punto de iniciar su primer tour por los Estados Unidos. La gente recuerda sus espectáculos masivos en los años 80, con luces láser y grandes producciones. ¿Cómo se siente al salir de gira por primera vez?
¿Sabes? Es raro, porque recién terminé la primera fase de mi tour por Europa, con conciertos en las arenas más grandes del continente, y ha sido recibido de manera fantástica. Siempre he incorporado elementos visuales en mis presentaciones, y fui uno de los pioneros en hacerlo. Esta vez, quise hacer algo muy especial y me encantaría llevarlo también a Chile y Sudamérica. Es un proyecto en 3D, pero sin el uso de gafas especiales. Anteriormente, he realizado grandes conciertos en Norteamérica, como el de Houston, Texas, para casi 3 millones de personas, y también he hecho eventos en lugares singulares, como China y las pirámides. Ahora estoy emocionado de dar inicio al tour con este proyecto, porque en términos de sonido y visuales es bastante inusual, y tengo muchas ganas de llevarlo a Sudamérica, en particular a Chile y Brasil.
Hace un par de años, usted grabó un mensaje para sus fans en Chile, y recientemente han surgido rumores al respecto en internet. ¿Hay algo realmente planeado para este año o el próximo?
Sí. De hecho, es algo que es seguro, seguro. He estado trabajando en la idea de un tour por Sudamérica desde hace varios años, es una de mis prioridades. Amo Sudamérica, y desde el inicio de mi carrera, las primeras cartas que recibí apoyando mi trabajo, después de mis primeros y segundos álbumes, provinieron de Chile, Argentina y Brasil. Sé que tengo muchos seguidores ahí, y quiero compartir mi música y mis conciertos con ellos de la mejor manera posible. Así que estamos esforzándonos mucho en este momento para ir a Sudamérica, ya sea en 2017 o 2018, tocando en Chile. Es una de mis principales prioridades, tanto en mi mente como en mi corazón.
Usted ha influido en numerosos músicos electrónicos con su trabajo, pero al inicio de su formación tuvo clases de piano y teoría musical. ¿Cree que es importante para los músicos actuales aprender esto?
¿Sabes? Creo que definitivamente aprender la técnica es importante. Sin embargo, hoy en día, la música es muy distinta a la clásica. Es útil para quienes desean ser músicos profesionales entender las bases de notación y solfeo. Pero, en realidad, la música en el presente también se basa en sonidos. Otra técnica que necesitas aprender es la de crear música a partir de los sonidos. Cuando yo aprendí, la idea era tomar un micrófono y una grabadora, capturando los sonidos del viento, de la lluvia, de la calle, y convertirlos en música. Hoy todos los DJs lo hacen. Además, para la música moderna de hoy, es fundamental aprender a diseñar sonido y crear diferentes texturas. Es importante saber que la música no se compone solo de notas; es también una combinación de sonidos, algo que recomendaría a la gente joven, especialmente a los DJs jóvenes. Se trata de expresarse; la tecnología no siempre ofrece la solución. Puede ayudarte, pero las ideas siempre vienen de ti mismo. Debe existir un diálogo entre tú y el instrumento, ya sea guitarra, sintetizador o software. Un diálogo entre la máquina y tú.
Hablando de los sonidos de la naturaleza, la imagen del planeta Tierra en la portada de su disco Oxygène es bastante impactante.
Buscaba una imagen que pudiera representar lo que deseaba expresar con mi música. Caminando por las calles de París, vi en una galería una obra del pintor Michel Granger, y esa imagen era exactamente lo que quería, complementando la música desde un punto de vista visual. Siempre he considerado que Oxygène tenía un lado oscuro y uno luminoso, y eso era lo que quería reflejar. Con la imagen, no sabes si es aterradora o si habla de esperanza. Porque si reaccionamos de la forma correcta, significa que podemos sobrevivir. Y esa es la idea detrás de la portada.
Fuente original: www.latercera.com
Publicado originalmente el 2017-02-11 08:00:00 por
Hashtags sugeridos: #JeanMichel #Jarre #músico #Poder #tocar #Chile #una #las #prioridades #mente