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Crédito: Imágenes falsas
En 2016, Jean-Michel Jarre lanzó Oxygène 3, culminando un viaje que comenzó con su álbum debut Oxygène en 1976. Ese año, reflexionó sobre Progreso, donde compartió cómo se inspiró para crear el original, su impacto en su carrera y el enfoque que guió el último capítulo de esta historia.
Estamos en una fase emocionante para Jean-Michel Jarre, incluso comparado con sus altos estándares. Sus dos álbumes de electronica – el de 2015 La máquina del tiempo y el de este verano El corazón del ruido con colaboraciones de renombre como Tangerine Dream, Massive Attack, Hans Zimmer, Laurie Anderson, The Orb, John Carpenter, entre otros, fueron grandes éxitos en toda Europa, posicionándolo en el Top 10 del Reino Unido por primera vez en 25 años.
Su éxito conjunto lo llevó a una extensa gira por el continente este otoño, llenando estadios desde Cardiff a Copenhague, de Bruselas a Budapest. A sus 68 años, teniendo en cuenta que ha vendido 80 millones de álbumes a lo largo de su carrera, la influencia comercial y artística de Jarre está posiblemente en su mejor momento, similar al de 1977, cuando Oxígeno lo catapultó de ser un compositor de música de biblioteca a una superestrella internacional.
Dada esta simetría, resulta completamente apropiado que Jarre haya decidido lanzar un tercer volumen de Oxígeno. No es algo que planeó de antemano. «Durante el proyecto de electronica, creé una pista que no encajaba con las otras canciones», explica Progreso. «Esa idea permaneció en mi mente. Cuando la disquera sugirió hacer algo especial para el 40 aniversario de Oxígeno, pensé que sería una buena oportunidad para usarlo como motivo.»
Nominalmente, el nuevo álbum es, por supuesto, una secuela de Oxígeno 7-13, lanzado en 1997. Sin embargo, Jarre estaba más interesado en seguir el original como un modelo de trabajo. «Hice el primer álbum de Oxígeno en seis semanas con herramientas muy limitadas», explica, “así que pensé que sería divertido volver al estudio con un enfoque minimalista, especialmente después del masivo proyecto de electronica que requirió mucha planificación y producción.”
«No volví a escuchar la música anterior en absoluto. No era mi intención regresar al original: Oxígeno o usar los mismos instrumentos. Eso no tendría sentido. Pero mantuve la misma filosofía. Oxígeno no es solo un conjunto de canciones con títulos separados, sino un concepto general, como una película o una serie de relatos. Pensé: ‘Voy a limitarme a unos pocos elementos y a veces solo tendré partes que utilicen dos o tres instrumentos’. Así que lo hice todo de una vez, manteniéndolo así, luego me fui de gira y lo dejé atrás.”
Un paralelo significativo es la contribución del artista Michel Granger, cuyo icónico diseño de calavera terrestre se convirtió en el símbolo visual de Oxígeno. Oxígeno 3 retoma esta imagen desde un perfil diferente y profundiza su tono de una manera que sugiere algo mucho más oscuro.
«Creé el primer álbum en la época del vinilo, cuando siempre pensábamos en las caras uno y dos. Otra característica de Oxígeno es que tiene melodías alegres, pero también presenta una atmósfera oscura, al igual que la portada. Decidí que sería interesante tomar esta idea y hacerlo de una manera ligeramente diferente, así que le pedí a Michel que girara la tapa de Oxígeno 3 un poco. Luego pensé: ‘¿Por qué no hacer la cara uno oscura y la cara dos más brillante o melódica?’ Así fue como comenzó la idea.”
No sorprende, entonces, que Oxígeno 3 evite el techno contundente y los ritmos densos que dieron pulso a electronica. En cambio, es un regreso a la fantasía cósmica que definió el original: Oxígeno se caracteriza por melodías brillantes y capas ingeniosas de sonido sintético.
“Había estado trabajando en música electrónica durante diez años cuando grabé Oxígeno”, recuerda Jarre, reflexionando sobre los inicios del álbum, grabado en un estudio improvisado en su casa de París en 1976. “Me ganaba la vida de otras maneras y produciendo a cantantes de rock franceses. Pero estaba obsesionado con la idea de crear un puente entre la experimentación y la melodía pop. Me gustaba ese tipo de desafío, jugar con el diseño de sonido y mezclar melodías.”
Stockhausen era completamente excéntrico… se consideraba hecho de sonido, biológicamente.
“Cuando hice Oxígeno, no tenía idea de que tendría éxito. Fue rechazado por todas las compañías discográficas a las que lo envié. Al final, un pequeño sello (Les Disques Motors) lo aceptó. Luego Radio One emitió todo el álbum durante su primera semana de lanzamiento, algo que hacían raramente; eso es lo que lo impulsó a la fama.”
La noción de combinar música experimental con texturas más accesibles se remonta a la adolescencia de Jarre con los innovadores rockeros The Dustbins. En 1968, había dejado atrás casi todos los instrumentos convencionales, experimentando con loops de cinta y otros equipos electrónicos.
«La principal diferencia con la música electrónica es que se crea en términos de sonido, no solo de notas», comenta. «Es completamente distinto. En mi adolescencia, me gustaba procesar mi guitarra o mi órgano, reproducir la cinta al revés y cambiar la velocidad. Un día, el baterista de mi banda me sugirió: ‘Deberías reunirte con estos locos que están en la radio pública francesa. Hacen lo mismo que tú y tienen laboratorios'».
Intrigado, en 1969, Jarre, de 21 años, se unió al Groupe de Recherches Musicales, bajo la dirección del célebre compositor y musicólogo Pierre Schaeffer. Fundado en la Institución de Radio Francesa, GRM ha estado operativo desde principios de los 50. Schaeffer acuñó el término «musique concrète» y contribuyó al desarrollo del muestreo.
“Cuando llegué allí por primera vez, me cautivó de inmediato lo que estaban haciendo”, recuerda Jarre. «La música electrónica debe mucho a las emisoras de radio públicas: el laboratorio de la BBC, el laboratorio alemán donde trabajaba Stockhausen y, por supuesto, el de París. Pasé tres años con Pierre Schaeffer y también viajé a Colonia a trabajar con Stockhausen. Era completamente excéntrico, pero un verdadero genio. Se veía a sí mismo como hecho de sonido, biológicamente, lo que lo llevó a tener un enfoque surrealista. Loco, pero realista al mismo tiempo. Fue muy interesante”.
En los albores de los años 70, la irrupción de nuevas tecnologías abrió un inmenso potencial para Jarre y otros compositores electrónicos. El sintetizador Moog empezaba a surgir en Estados Unidos, aunque su alto coste limitaba su disponibilidad a unos pocos.
Arthur C. Clarke me decía: ‘Sabes, deberías terminar Oxygène algún día’.
“Comencé con un VCS3 de fabricación británica de EMS (Electronic Music Studios, Londres), diseñado por un genio llamado Peter Zinovieff”, comenta Jarre. «Era una especie de versión europea económica del Moog. En aquellos tiempos, Europa no era tan rica como Estados Unidos, así que el sonido era más seco. En cierto modo, era un sintetizador punk; tenía un carácter duro y áspero. Me encantó; todavía llevo uno al escenario conmigo.”
«Empecé a hacer música en una época en la que no estábamos haciendo música electrónica con sintetizadores, sino utilizando un banco de osciladores que sustraíamos de estudios de estaciones de radio. Usábamos todos los filtros utilizados para configurar sus sistemas de transmisión, secuestrando el equipo para crear música. Esto nos permitía crear, de alguna manera, nuestros propios instrumentos. El truco para cualquier principiante es establecer tus propias limitaciones. Así podrás expresar mejor lo que tienes en mente».
Imponer su propio conjunto de restricciones fue fundamental en la creación de Jarre de Oxígeno. Es un álbum en torno al cual ha construido un legado notable, ya sea a través de álbumes de gran éxito como Equinoccio y Campos magnéticos, o a través de espectáculos masivos en Moscú, Egipto y, como el primer artista occidental en actuar allí, en China.
Al igual que Mike Oldfield y Campanas tubulares, Oxígeno ocupa un lugar especial en la historia de Jarre. “Cuando has tenido la fortuna de tener cierto éxito con tu primer proyecto, siempre formará parte de tu ADN, sin importar lo que hagas después”, afirma. «Es como la primera película de Tarantino o Kubrick. Para mí, Oxígeno es lo mismo. He hecho muchas otras cosas que me encantan y de las que estoy orgulloso, pero Oxígeno es único”.
Pero queda una pregunta muy clara: ¿es Oxígeno 3 la última entrega? «Creo que sí. Antes era bastante cercano a Arthur C. Clarke y él siempre me decía: ‘Sabes, deberías terminar Oxígeno algún día.’ Para él, era como un viaje espacial del cual podías regresar a una realidad diferente. Esa idea me ha resonado mucho durante el proceso de crear la última canción del nuevo álbum.
“Oxígeno 20 es una pieza larga que es bastante armoniosa, pero tiene un carácter de grito que no necesariamente aterroriza, sino que es muy conmovedor. Al volver a atravesar la atmósfera de cualquier planeta, todo arde y luego se convierte en cenizas. Eso era algo que quería reflejar al final de Oxígeno 3. Creo que es una manera excelente de concluirlo”.
Fuente original: www.yahoo.com
Publicado originalmente el 2024-08-24 07:00:00 por
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