Sure! Here’s a rewritten version while keeping the HTML tags intact:
Pocos artistas pueden reclamar haber dejado una huella significativa en la cultura y de haber vivido en primera persona un cambio de dirección. Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948) es uno de ellos. No solo ha sido fundamental para que la música electrónica pasara de ser un experimento para unos pocos a convertirse en un verdadero fenómeno de masas; también ha transformado las presentaciones en vivo al convertir sus conciertos en espectáculos integrales, donde la música se combina con proyecciones monumentales, rayos láser y el entorno natural.
Con más de 80 millones de álbumes vendidos y el récord de asistencia a un concierto —3,5 millones de personas en Moscú en 1997—, la trayectoria de Jean-Michel Jarre abarca más de cinco décadas. Desde su innovador Oxygène (1976) hasta sus actuales proyectos de realidad virtual y audio inmersivo, lo que realmente define a este artista francés es su visión futurista. Hijo del renombrado Maurice Jarre —compositor de bandas sonoras de clásicos como Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) o Pasaje a la India (1984)—, Jean-Michel Jarre no solo imaginó el futuro; lo convirtió en realidad. Aquellos que asistan a los conciertos inmersivos que ofrecerá el 3 y 10 de julio en Las Noches del Botánico, en Madrid, podrán confirmarlo.
PREGUNTA. Este año se cumplen 50 años del lanzamiento de su álbum Oxygène, lanzado en 1976. Alrededor de 18 millones de copias de este álbum, considerado una obra maestra de la música electrónica, se han vendido. ¿A qué atribuye el inmenso éxito de este disco?
RESPUESTA. Me sorprendió encontrarme con un público tan enorme, y sigue siendo un misterio para mí. Sin embargo, creo que su éxito se debe a lo diferente que era en aquel entonces. Oxygène salió en una época dominada por la música disco y el punk, así que se trató de un proyecto realmente inusual. Estoy convencido de que cuando creas algo tan distinto, o es un éxito total o no es nada. Por eso, nunca debemos temer a ninguna nueva herramienta o concepto.
P. ¿Está hablando de la inteligencia artificial?
R. Sí. En la actualidad, parece que todos están preocupados por la IA, y eso por diversas razones. Esta nueva tecnología inevitablemente generará nuevos géneros musicales y cinematográficos. La tecnología siempre ha influido en el estilo o ha actuado como catalizador de nuevos estilos musicales. Fue la invención del violín lo que permitió que Vivaldi compusiera su música. La electricidad permitió la aparición de Chuck Berry, Jimi Hendrix, Billie Eilish y Rosalía. Los componentes electrónicos han hecho posible que personas como yo hagan la música que hacemos. Cuando Oxygène salió, la gente no tenía idea de cómo se producía esa música. A lo que voy es que el puente que estableció este álbum entre la experimentación y las nuevas herramientas, manteniendo la melodía como eje del proyecto, probablemente fue clave para su éxito.
«La IA es una oportunidad para explorar nuevos modos de componer música. IA para mí significa Imaginación Aumentada.»
P. Habla usted sobre la importancia de la tecnología para que los artistas descubran formas de expresión nuevas. Tal vez el problema con la inteligencia artificial es que esta ya está creando música, lo que podría llevar a que los artistas se queden sin trabajo en el futuro.
R. Creo que esa es una perspectiva equivocada. La tecnología es neutral. No debemos confundir la herramienta con el uso que se le da. La IA es neutral, aunque ciertamente puede malutilizarse. El mal uso y la piratería existían mucho antes de la electricidad y seguirán existiendo después de la IA. No debemos ser ingenuos en torno a la IA. Pero, como decía mi abuela, no podemos detener el progreso. Cuanto antes adoptemos la IA y la exploremos, mejor podremos mitigar sus efectos negativos. Pero nunca debemos confundir la herramienta con su aplicación. Para mí, la IA es una oportunidad maravillosa para descubrir diferentes formas de componer música. Más que inteligencia artificial, para mí, la IA representa Imaginación Aumentada. No soy ingenuo al respecto. Las preocupaciones actuales sobre la IA son el mismo relato de siempre: recuerdo que al inicio de la fotografía, los pintores firmaron peticiones diciendo que la fotografía acabaría con la pintura; y al principio del cine, el teatro alegó que el cine terminaría con él. Por ejemplo, yo introduje la música electrónica en la Ópera de Francia, y algunos músicos de la orquesta apagaron el sistema de sonido en protesta, ya que consideraban que la música electrónica acabaría con las orquestas. Probablemente, el éxito de Oxygène se debió a lo inesperado que resultó, algo que sorprendió a la gente. Al final, y esto es paradójico, las personas reconocen lo que es diferente, lo inesperado.
«En Europa siempre hemos sido pioneros en la protección de la propiedad intelectual, y debemos seguir siéndolo.»
P. Si no me equivoco, a lo largo de su carrera ha vendido aproximadamente 85 millones de discos. Esta cifra es sorprendente, especialmente hoy en día, cuando los discos apenas se venden y los músicos dependen de los conciertos para generar ingresos. Antes era justo al revés, ¿no?
R. Así es, es bastante curioso. Antes hacíamos conciertos para promover discos, y ahora lanzamos discos para promocionar conciertos. La economía ha cambiado. En este sentido, creo que la propiedad intelectual es fundamental y como europeos, franceses, españoles y alemanes, debemos defenderla. Europa ha sido pionera en asuntos de propiedad intelectual. Necesitamos recordar a la gente que la creación, ya sea de hace mil años, del siglo pasado o del futuro, tiene valor. Lo que escribes, lo que compongo, lo que hacen autores como Pedro Almodóvar, Jean-Luc Godard o Tarantino tiene valor. Y en términos económicos, debemos tenerlo presente. En Francia y Europa, siempre hemos sido pioneros en la protección y promoción de la importancia de la propiedad intelectual, y debemos continuar siéndolo.
P. Este verano ofrecerá un concierto importante en Ibiza para conmemorar el 50 aniversario del club Amnesia. ¿Qué ha preparado para esa fiesta?
R. Estoy muy emocionado por tocar en Ibiza, un lugar emblemático. Hablamos de esto varias veces, pero nunca se concretó por diversos motivos. Y, por supuesto, Amnesia es donde todo comenzó en Ibiza. Amnesia fue pionera en llevar la música electrónica a las pistas de baile. Así que celebrar el 50 aniversario de Amnesia junto con el 50 aniversario de Oxygène tiene sentido. Estoy preparando este concierto de una manera muy especial. Estoy utilizando mucha IA para diseñar el escenario; he concebido toda la escenografía utilizando diversas técnicas de inteligencia artificial. Además, combinaré trabajos recientes con algunos de mis clásicos, reinterpretados para Ibiza. Creo que será una experiencia divertida.
Estoy muy emocionado por tocar en Ibiza, pero también me presentaré en otros lugares de España, como el Jardín Botánico de Madrid, Marbella o Valencia. Me alegra tener la oportunidad de compartir estos momentos con el público español, con el que siempre he sentido una conexión muy especial. La cultura y los artistas españoles han influido enormemente en mi vida como creador. La pintura, el cine, la literatura y la música españolas, desde Albéniz y Manuel de Falla hasta el flamenco… Todo eso forma parte de mis raíces.
P. ¿Serán también sus dos conciertos en el Jardín Botánico de Madrid experiencias inmersivas?
R. Sí. Desde Oxygène, mi música ha estado estrechamente relacionada con el espacio. Pero no me refiero tanto al espacio exterior, sino más bien al espacio que nos rodea, el que existe entre la tierra y el cielo, nuestro entorno inmediato, si se me permite decirlo de esa manera.
P. Hablando de espacio: en ocasiones ha mencionado que, si no hubiera sido músico, le habría gustado ser arquitecto.
R. Sí, creo que la música y la arquitectura guardan muchas similitudes. Ambas disciplinas juegan con el tiempo y el espacio, dependen de ambos. El tiempo se manifiesta en el ritmo de la música, pero, al igual que una obra arquitectónica, la música también interactúa con el espacio: el espacio entre los instrumentos y los oídos, entre mi instrumento y su percepción, el espacio de un edificio o una ciudad capaz de crear un ambiente propicio para una celebración… Siempre he considerado que la música y la arquitectura tienen mucho en común.
P. Hace unos minutos hablaba de la cultura española y de su influencia. No sé si ha visto la película española Sirat…
R. Sí, la he visto en dos ocasiones. Soy un gran admirador de esta película. Considero que es una auténtica obra de arte. Es importante porque es especial. Lo que aprecio de cualquier forma de arte es que no solo narre una historia, sino que ofrezca un viaje a través de una película, un libro o una pieza musical. Eso es lo esencial. Además, toda buena película debe tener una banda sonora excepcional. No olvidemos que directores como Hitchcock y Tarantino afirman que la música representa al menos el 50% de una película, si no más. En el caso de Sirat, la banda sonora es magistral porque se fusiona perfectamente con la historia; es una parte fundamental del viaje. Me decepcionó mucho que la banda sonora de Sirat no ganara el Oscar a la mejor música, porque para mí es, sin duda, la más interesante del año. Además, considero que Sirat es extremadamente española, ya que está muy relacionada con todo lo que me atrae del arte español.
«Soy un gran admirador de ‘Sirat’, esa película es una verdadera obra de arte. Y lo es porque es especial.»
P. ¿Qué características hacen único al arte español?
R. Creo que, desde Cervantes hasta Dalí y Sirat, hay una combinación de surrealismo y realismo en el arte español. Diría que refleja la dualidad de estar profundamente arraigado en la tierra y, a la vez, embarcarse en un viaje psicológico. Las manifestaciones artísticas españolas encapsulan sentimientos y elementos que son muy característicos de la cultura española, pero también son universales. Tanto los artistas franceses como españoles entendemos que existe una gran diferencia entre ser internacional y ser universal. Ser internacional implica crear algo como Coca-Cola o McDonald’s, buscando un denominador común que todos puedan comprender. Ser universal, en cambio, es profundizar en tus raíces para descubrir lo que pueden sentir y entender tanto un brasileño como un esquimal, un chino o un estadounidense. Y eso es lo que me gusta de nuestra cultura latina: somos capaces de crear obras universales que están, a su vez, profundamente arraigadas en nuestra tradición. En el caso de Sirat, para mí, es como un pequeño viaje a España, pero también es tan extremo y universal que puede conmover a cualquiera.
P. Siguiendo con artistas españoles, ¿qué piensa Jean-Michel Jarre de Rosalía?
R. Soy un gran admirador de Rosalía. Mi sueño sería colaborar con ella algún día, porque Rosalía es, sin duda, una especie de esperanto: habla un lenguaje universal. Lo fascinante de ella es que construye puentes hacia el multiculturalismo, sin dejar de ser fiel a sus raíces. Creo que ese puente es lo que hace que su obra sea tan especial y grandiosa.
«Rosalía crea un puente con el multiculturalismo, pero sin dejar de ser fiel a sus raíces.»
P. Usted es un músico con una vasta cultura musical y con formación en música; su padre, Maurice Jarre, compuso bandas sonoras de películas icónicas. ¿Qué relevancia tiene hoy en día tener educación musical?
R. Yo soy un ladrón. Robo todo lo que escucho, todo lo que leo, todo lo que veo. Soy como una esponja, consciente e inconsciente, y he absorbido mucho de la cultura española. Puedes ser DJ sin tener conocimiento de solfeo, usando un tam-tam o un sintetizador, o incluso la IA… Lo que realmente importa es lo que haces con eso, el resultado final, si llega a conmover o no. Es por eso que el arte es fundamental en nuestras vidas.
P. Este miércoles 21 de octubre, ofrecerá el concierto inaugural del Amsterdam Dance Event, que este año celebra su 30 aniversario. ¿Qué relevancia tiene el baile para los seres humanos?
R. Aunque suene a cliché, la danza y la música han estado interconectadas durante millones de años. Expresar ritmos y melodías a través del cuerpo es algo intrínseco al ser humano. No hay diferencia entre un club en Indonesia y lo que hacían nuestros ancestros en una cueva hace 30,000 años: en ambos casos se trata de una relación orgánica, táctil, sensorial e incluso sexual con el sonido y la música. Esa es la razón por la que no debemos temer a la IA ni a las nuevas tecnologías: debemos recordar que somos animales, y que independientemente de lo que ocurra, seguimos necesitando comer, hacer el amor y mover nuestros cuerpos al ritmo de la música.
«Somos animales, necesitamos comer, hacer el amor y mover nuestros cuerpos al ritmo de la música.»
P. Hace casi 30 años, en 1997, ofreció un famoso concierto en Moscú que reunió a alrededor de tres millones y medio de personas. ¿Sería posible llevar a cabo algo similar hoy en día?
R. Hoy en día sería mucho más complicado por razones de seguridad, conflictos bélicos y amenazas terroristas. Sin embargo, los seres humanos necesitamos reunirnos, estar juntos, expresar amor… Cuantos más dispositivos, más pantallas, más transmisiones en vivo, más TikTok e Instagram, más anhelamos la cercanía, el compartir en un festival, en un partido de fútbol, en un estadio, al aire libre, donde sea. Esa ha sido una de las razones por las cuales siempre me ha atraído hacer conciertos al aire libre. Para la música electrónica, resulta particularmente interesante integrar la arquitectura y las técnicas visuales en los espectáculos. Desde el inicio de mi carrera, consideré que ese sería el formato del futuro. Me parece que he abierto caminos hacia la fusión de técnicas visuales y proyecciones en edificios y espacios al aire libre. Durante mi primer concierto, nadie proyectaba imágenes o vídeos en las fachadas de los edificios; ahora eso ha pasado a ser algo cotidiano en todo el mundo. Junto a mi equipo, hemos contribuido a establecer una especie de gramática basada en técnicas para expresar nuestra arte más allá de las paredes de una sala de conciertos convencional.
P. ¿Hay algún tipo de música que no le guste o que le resulte insoportable?
R. No, soy muy ecléctico. Me encanta el death metal, el rap, la música clásica, el jazz, el flamenco, la música china… Disfruto de todo, desde techno hasta heavy metal, jazz o música clásica. Siempre me ha parecido extraño que la gente se obsesione con un solo género y solo escuche eso. Entiendo a quienes solo se enfocan en rap, hip hop, techno o música clásica, pero siempre me han dado pena.
Feel free to modify further if needed!
Fuente original: www.elconfidencial.com
Publicado originalmente el 2026-06-25 03:00:00 por
Hashtags sugeridos: #Soy #ladrón #ideas #España #robado #mucho