Oxygène es el álbum que lanzó y consolidó a Jean-Michel Jarre, y también el disco que, con su formación y concepción, parecía estar destinado a triunfar.
Además de ser (junto a Popcorn de Hot Butter) la primera pieza de música electrónica instrumental que logró un lugar significativo en las listas internacionales (número 1 en Francia y número 2 en el Reino Unido), se estima que vendió cerca de 18 millones de copias.
No solo facilitó el acceso a la música electrónica, sino que también abrió las puertas a la rica y diversa trayectoria de Jarre, quien ha lanzado más de 20 álbumes de estudio y ofrecido conciertos récord en Houston, París, Londres y Moscú, el último de los cuales atrajo a más de 3,5 millones de espectadores.
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Hoy en día, Jarre es una especie de anciano en el mundo de la música electrónica: el décimo dan de la electrónica, si se quiere, o tal vez el jefe final en el juego de los sintetizadores. Es un pionero, un gran entusiasta del equipo y un artista carismático, que además de contar con varios récords Guinness, ha vendido la extraordinaria cifra de 80 millones de discos.
Incluso se convirtió en el primer pasajero de un coche eléctrico en 2024. ¡Qué personaje…!
En serio, no hay mucho que Jarre no haya logrado hasta ahora… (Crédito de la imagen: Douglas Doig/Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images)
Sin embargo, en 1976, hace unos impresionantes 50 años, Jarre era simplemente un músico, productor y ocasional compositor, con las seis pistas que conformarían Oxygène aún por crear.
Todo estaba en su lugar (incluyendo una colección de extraños instrumentos electrónicos en su cocina) para que el compositor francés encontrara su verdadero camino…
Jarre nació en 1948 y su padre, Maurice, fue un aclamado compositor de cine, ganador de tres premios de la Academia por obras como Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago y Un pasaje a la India, entre otros.
No obstante, él no fue una influencia directa, ya que su padre se separó de la madre de Jean-Michel, Francette, cuando él tenía apenas cinco años, dejando a Jarre bajo el cuidado de ella y sus abuelos.
La verdadera influencia de Jarre llegó a través de Pierre Schaeffer. En gran medida el Obi-Wan Kenobi de esta historia, fue el hombre que introdujo el término ‘Musique concrète’ al emplear sonidos procesados y encontrados en la creación de música electrónica, un estilo que, de cierta manera, se convirtió en precursor del sampleo.
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Jarre conoció a Schaeffer tras estudiar en el Conservatorio de París a inicios de los años 60, mientras buscaba ampliar sus horizontes musicales.
«Sentí que el mundo de la música clásica, el rock y otras formas eran algo restrictivas y que cada una vivía en sus propios (mundos)», comentó a Electronics & Music Maker en 1982. «Tenía la sensación de que era el momento ideal para explorar otros campos y ver si era posible combinar diferentes estilos».
Oxygène fue la puerta de entrada a la música electrónica para muchas personas; «Oxygène marcó un nuevo inicio para la música con sintetizadores analógicos» (Crédito de la imagen: Bertrand LAFORET/Gamma-Rapho vía Getty Images)
De esta manera, Jean-Michel se unió al Centro de Investigación Musical de París, una organización establecida por Schaeffer y Pierre Henry, otro pionero del concrète.
«Cuando llegué por primera vez, me fascinó lo que estaban haciendo», comentó Jarre a Louder en 2024. “La música electrónica debe mucho a las estaciones de radio públicas: el Taller Radiofónico de la BBC, el laboratorio alemán donde trabajaba Stockhausen y, por supuesto, el de París.»
«Permanecí tres años con Pierre Schaeffer y también fui a Colonia para trabajar con Stockhausen. Era completamente excéntrico, pero un verdadero genio. Se consideraba hecho de sonido, biológicamente, lo que le daba un enfoque surrealista. Loco, pero realista al mismo tiempo. Fue realmente interesante».
Fue en el MRC donde Jarre encontró un instrumento que definiría su trayectoria: uno de los primeros sintetizadores.
«Obviamente, no se llamaba así», le dijo a E&MM, «era simplemente un sintetizador ‘de madera’ con un banco de osciladores que podían sincronizarse. También había grabadoras para montar lo que hacíamos».
Más allá de la tecnología, Schaeffer fue quien dejó la huella más grande en Jarre: «Fue uno de los individuos más brillantes de su época en términos de lo que aportó al mundo musical. Creó la noción de Musique concrète y me influenció mucho en este sentido».
Finalmente, Jean-Michel decidió dejar el Centro de Investigación Musical y expresó: «Sentí que la música contemporánea tenía una actitud muy elitista, un tanto demasiado intelectual frente a la música, creando barreras entre el público y uno mismo. Mi intención era ser mucho más accesible al público».
«Me apasionaba la idea de establecer un puente entre la experimentación y la melodía pop» (Crédito de la imagen: Li Erben/Sygma vía Getty Images)
Jarre se convirtió en un compositor e intérprete independiente, ganándose la vida creando bandas sonoras para cine y televisión, música incidental para obras de teatro y ballet, jingles para anuncios, y produciendo canciones para varios cantantes de rock franceses.
En ese momento, también se adquirió su propio sintetizador; como compartió con Louder en 2024: «Comencé con un VCS3 de EMS (Electronic Music Studios, con sede en Londres), creado por un genio llamado Peter Zinovieff. Era como una versión europea más económica del Moog.
«En aquellos días, Europa no era tan próspera como Estados Unidos, por lo que el sonido era más seco. Era un tipo de sintetizador punk; tenía un carácter duro y áspero. Me encantaba; todavía hoy llevo uno conmigo al escenario».
En 1968, lanzó su primera composición, un tema de 8 minutos titulado La Cage (La jaula). «Fue para un espectáculo de danza en París», comentó a International Musician en 1985 y se creó utilizando un equipo muy básico: solo el sintetizador VCS3 y un par de grabadoras.
Jean-Michel Jarre – La Cage (Vídeo musical oficial) – YouTube
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«También tenía un banco de osciladores que producía tonos diferentes, y al activar los osciladores en diferentes momentos, podía generar una secuencia muy simple de notas, aunque no contaba con una máquina de cintas multipista, así que debía tocar y mezclar casi todo en vivo.
«Se imprimieron solo unos pocos cientos de copias (de The Cage) y no tengo una ahora, ¡así que si alguien tiene una copia de repuesto!»
En 1976, el estudio de Jarre se había expandido, como explicó a The Guardian en 2018: «Había trabajado produciendo para algunos artistas de rock y había obtenido lo suficiente para montar un estudio en mi cocina. Sin embargo, contaba con poco equipo, solo unos pocos pedales de guitarra y mi primer sintetizador, el VCS3, que parecía una central telefónica. Me percaté de que usar una máquina de cinta Revox para retrasar el sonido que provenía de un altavoz creaba una enorme sensación de espacio».
Jarre creó su obra más emblemática en estas condiciones limitadas. Su Mellotron solo funcionaba algunas teclas, y su única caja de ritmos era una Korg Mini Pops «primitiva», que describió como: «El tipo de cosa que la gente tocaba en los pubs, pero utilizando Sellotape, logré hacer que reproduciera dos ritmos preestablecidos al mismo tiempo, creando ritmos geniales. Oxygene Part IV, que se volvió icónica, combinaba (presets) Slow Rock y Rock, mientras que la Part VI mezclaba Rumba y Bossa Nova».
Jean-Michel Jarre – Oxygène, Pt. 4-YouTube
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«Me obsesionaba la idea de crear un puente entre la experimentación y la melodía pop», le contó Jarre a Louder sobre su proceso de grabación. «Disfruté de este desafío, jugando con el diseño de sonido e integrando melodías».
El álbum fue grabado en una grabadora Scully de solo ocho pistas y todo a través de un mezclador casero. Además del VCS3, Jarre logró incorporar algunos otros equipos icónicos, incluyendo los sintetizadores EMS Synthi AKS y ARP 2600, un Eminent String Ensemble, un sintetizador armónico RMI y un órgano Farfisa. También se utilizó una computadora con teclado RMI para algunas secuenciaciones.
Jarre le comentó a E&MM que «Oxygène fue un nuevo inicio para la música con sintetizadores analógicos», y sin duda fue una grabación muy distinta para su tiempo, con pop electrónico puro en Oxygène (Parte IV) y una exploración más atmosférica e introspectiva en las otras cinco pistas.
Sin embargo, era un sonido nuevo que al principio no captó gran interés. Como explicó Jarre a E&MM de nuevo en 1985: «Debido a que Oxygène consistía exclusivamente en música instrumental, ninguna de las compañías discográficas creyó que tendría éxito. Las únicas que se arriesgaron fueron una pequeña compañía francesa llamada Dreyfus Music.
Jarre tuvo una carrera prolífica, y vaya que sabía tocar el keytar. (Crédito de la imagen: Brian Rasic/Getty Images)
«Incluso después de convertirse en un éxito en Francia, la gente decía que no podría triunfar en ningún otro lugar. Luego, finalmente, después de alcanzar la cima de las listas en Gran Bretaña y en toda Europa, los críticos explicaron que su éxito se debía a su originalidad y el uso de la melodía. ¡Es fácil ser sabio después de lo ocurrido!»
Fue la reproducción extendida en la radio del Reino Unido lo que realmente otorgó al álbum el reconocimiento que merecía, aunque un marketing astuto por parte de Dreyfus ayudó a que el disco adquiriera impulso al ser utilizado como referencia en tiendas de alta fidelidad para vender equipos.
«Ahora se han vendido en total alrededor de 15 millones de copias (18 millones actualmente, Ed), y sin importar lo que haga, Oxygène me define», comentó Jarre a The Guardian. «Pero está bien. Es curioso. Al principio, el álbum se utilizó en tiendas de alta fidelidad como ejemplo de ‘sonido de última generación’. No les dije que lo hice en mi cocina».
«Cuando tienes la suerte de tener algún tipo de éxito con tu primer proyecto, siempre será parte de tu ADN, sin importar lo que hagas a continuación», confesó a Louder. «Es como la primera película de Tarantino o Kubrick. Para mí, lo mismo sucede con Oxygène. Hay muchas otras cosas que he creado y de las cuales estoy muy orgulloso, pero Oxygène es algo verdaderamente único».
Jarre continuó tras Oxygène con los igualmente brillantes álbumes Equinoxe y Magnetic Fields, y también lanzó dos secuelas directas de Oxygène: Oxygène 7–13 en 1997 y Oxygène 3 en 2016.
Puede que nos odie por decirlo, pero el Oxygène original sigue siendo el mejor.
Fuente original: www.musicradar.com
Publicado originalmente el 2026-05-25 09:00:00 por
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