Jean-Michel Jarre se presentará el próximo 8 de julio en València como parte del ciclo FAR, que se lleva a cabo en la Marina Nord. El innovador de la música electrónica regresa a una ciudad que, según él, visitó hace mucho tiempo y que destaca por su energía especial: una gran urbe en la que “todo está muy cerca” y que para él funciona “como un núcleo, un núcleo atómico”. Este concierto es además especialmente significativo, ya que marca el 50º aniversario de Oxygène, una pieza seminal que Jarre aún percibe no como un ejercicio nostálgico, sino como un experimento artístico vibrante, capaz de resistir la prueba del tiempo e influir en generaciones futuras de creadores. En València, ofrecerá un espectáculo diseñado para ser una experiencia inmersiva, con obras de su repertorio completamente renovadas y una escenografía desarrollada con inteligencia artificial “de forma muy poética y orgánica, muy latina”.
Quizás no lo sepa, pero en los años 80, la música electrónica gozó de gran popularidad en València, incluso más que en Madrid o Barcelona, y además, era perfecta para bailar.
Recuerdo haber estado allí con amigos hace mucho tiempo; fue un momento revitalizante y significativo en mi vida. Creo que València todavía conserva hoy ese vínculo especial con la música electrónica. Estoy ansioso por que llegue julio y emocionado de compartir un proyecto que es muy significativo para mí. Interpretaré algunas composiciones y obras de mi carrera, pero estarán completamente reimaginadas. Siempre he estado inmerso en la innovación y la tecnología, buscando expandir los límites para ofrecer al público la mejor calidad sonora. Como músico, cuido meticulosamente el sonido; es el mínimo esfuerzo que uno debe hacer para compartir su arte. Además, en mi adolescencia, balanceaba mis intereses entre la pintura y la música, y siempre he estado conectado con las artes visuales y la tecnología visual. Esta vez, toda la escenografía y el diseño han sido concebidos con inteligencia artificial, de una manera muy especial: de forma poética y orgánica, muy latina. Realmente espero que la audiencia lo disfrute tanto como yo.
Recuerdo con asombro los conciertos televisados de mi infancia: la música, el sonido, las luces, las imágenes. ¿Es más complicado impresionar al público hoy en día que en los años 70 u 80?
No estoy seguro. Creo que ayudé a establecer una especie de gramática para los shows. Cuando comencé, nadie realizaba mapping o proyecciones gigantes sobre edificios, combinando luces, arquitectura y láseres. Hasta las grandes bandas de rock solo tenían un par de luces, y eso era todo. Hoy en día, es inconcebible un espectáculo de electrónica, rock o pop sin diseño escénico. Pero no creo que la existencia de más referencias implique menos creatividad; al contrario. Lo que realmente importa es el contenido. No estoy enfocado en el pasado. El espectáculo que ofreceré en València es claramente del año 2026.
Muchas personas temen la disrupción tecnológica, como la inteligencia artificial, por la controversia que genera, argumentando que podría poner fin a la creatividad. ¿Cuál es su opinión?
Esto me hace recordar los inicios de la fotografía, cuando los pintores se unieron en protestas diciendo que esta era el final de la pintura. O cuando introduje la música electrónica en la Ópera de Francia; algunos músicos de la orquesta desconectaban el sistema de sonido argumentando que la música electrónica acabaría con la orquesta. Es una narrativa interminable. Estoy bastante emocionado por este nuevo proyecto y feliz de compartirlo con el público español. Siempre me siento afortunado por la cálida acogida en España, desde el inicio con Oxygène, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook y Electronica. He desarrollado una relación muy especial con España, y siempre es un gran placer.
Pero eso es algo que usted diría en cualquier lugar al que se presente.
Sí, muchos artistas internacionales mencionan lo maravilloso que es actuar en España como una estrategia de marketing, pero en mi caso, las primeras cartas de fanáticos que recibí, además de las de Francia, venían de España. Una de mis frustraciones es que mi madre, una persona extraordinaria, me obligó a estudiar alemán en lugar de español. Fue un gran error, porque tenía un nivel muy bajo de alemán y perdí la oportunidad de conectar mejor con los españoles.
Quizás esa conexión entre los españoles y su música surge de que, en sus inicios, su obra representaba modernidad. Y en los años 70 y 80, España deseaba modernidad tras la dictadura.
Sí, creo que sí. Cuando inicié mi carrera, era un momento de gran optimismo hacia el futuro; pensábamos que en el año 2000 todo sería perfecto, que los sistemas sociales y educativos funcionarían a la perfección y que los automóviles volarían. Mi música llevaba esa clase de positividad y conexión con el espacio. Nunca lo vi como algo relacionado con el espacio exterior, sino más bien con el entorno que nos rodea; Oxygène era muy simbólico en ese sentido. Por ello, siempre he estado interesado en transmitir esa sensación de inmersión y espacio. La música está compuesta de espacio y tiempo. Pero me gustaría agregar algo sobre nosotros, españoles y franceses: somos latinos. La música electrónica en sus inicios no tiene nada que ver con el blues o el rock; no está ligada a América. Proviene de nuestra herencia musical clásica, de la pintura, del impresionismo -el trabajo sobre texturas- y, en cierto modo, también del surrealismo.
¿Cómo le han influido Breton o Dalí?
La idea de combinar el sonido de un pájaro con un clarinete o con una lavadora es muy latino y muy surrealista. Nosotros inventamos el surrealismo, y las raíces de la música electrónica provienen de esos movimientos europeos. Cuando era adolescente, veía bandas de rock como Soft Machine o Pink Floyd y pensaba: “Esta es la revolución de mi generación, pero es una revolución sajona, no la mía”. Al involucrarme en la música electrónica, afirmé: “Esta es nuestra revolución como artistas latinos”. Permite composiciones de 10 o 11 minutos sin seguir las normas del pop estadounidense ni el formato de canción de tres minutos con letra.
Para sus seguidores, su música siempre ha representado el futuro. Pero, ¿qué significa hoy el futuro para usted?
Siempre considero que el pasado es un prólogo del presente o del futuro. No estoy obsesionado con lo que vendrá; mi motor es la curiosidad. Siempre he tenido un interés por probar y explorar nuevos lenguajes o herramientas. La tecnología es el mejor catalizador de la creatividad. Es gracias a la invención del violín que Vivaldi creó su música; es debido a la electricidad que tenemos a Jimi Hendrix, Rosalía o Billie Eilish. Es por los componentes electrónicos que personas como yo producen su música, y actualmente, es gracias a la inteligencia artificial que se generarán los estilos musicales y películas del futuro. La tecnología es neutral; depende de cómo se utilice. La piratería existía antes de la electricidad y continuará existiendo después de la IA. No deberíamos confundir todo eso.
¿Qué le entusiasma más de la IA como herramienta creativa?
Es similar a cuando aparecieron las cajas de ritmos o el sampling. La gente decía que eso acabaría con los bateristas, pero los bateristas tuvieron que evolucionar debido a ellas. Con la IA, lo mismo ocurre. Podemos crear canciones pop con IA, pero también existieron personas que realizaban falsos Picassos o falsos Dalís; eso no pone en duda la validez de la pintura. El pincel es neutral; depende de la persona que lo maneje. Para mí, la IA es una especie de “supermusa”. Es menos “inteligencia artificial” y más “imaginación aumentada”. Es una forma de expandir y enriquecer mi inspiración, como un asistente digital con múltiples brazos y manos, una especie de Shiva digital.
¿Debería existir algún límite para la creación con IA?
El límite es mi imaginación, no la IA. Creo que los años 2020 serán recordados como la era dorada de la IA, similar a los inicios del cine en blanco y negro o a los primeros samplers. En los años 80, el “Rolls-Royce” del sampling era el Fairlight, que solo permitía samplear 0,8 segundos en 8 bits. Hoy podemos samplear horas en alta definición, pero en aquel entonces hicimos cosas muy interesantes que ya no podemos replicar. Actualmente, la IA está llena de errores, limitaciones e imperfecciones; no obedece. Pero todos esos accidentes generan algo que dentro de 10 o 20 años será extremadamente perfecto. Mi consejo para los artistas jóvenes es que hoy exploren la IA, enfocándose en sus debilidades y fallos; es una gran fuente de inspiración.
Cuando escucha sus discos de los años 70 u 80, ¿siente que con la tecnología actual podría haberlos mejorado?
En absoluto. Es como ver una película en blanco y negro; no piensas “qué pena que no sea en color” cuando miras Metrópolis. Cada época tiene sus ventajas y desventajas. Para ser honesto, no me interesa escuchar lo que he hecho en el pasado; no estoy en la nostalgia. Me interesa el presente. Antes de València, me presentaré en Ibiza por el 50º aniversario de Amnesia. Lo interesante del concepto de “amnesia” es la idea de olvidar el pasado y el futuro; lo que importa es el presente. Es una actitud bastante punk, en un sentido positivo. Como artista, soy bastante egoísta; ante todo creo para mí mismo. No busco hacer esto para agradar al público; el público decidirá seguirme o no. Lo verdaderamente importante es intentar perfeccionar lo que tengo en mente, que es como un espejismo que persigues toda tu vida. Es como Pedro Almodóvar, los Beatles o Kubrick: es una variación del mismo mundo o de lo que entendemos como estilo. Ves 30 segundos de una película de Almodóvar y sabes que se trata de él. Usando las herramientas que utilices, ya sea un smartphone o una cámara en blanco y negro, se reflejará tu estilo. La IA no es una amenaza porque recopila lo del pasado, pero lo que hace único a un artista es su estilo.
¿Ese “egoísmo” es lo que le impulsa a seguir evolucionando sin quedar atrapado en su pasado?
Sí y no. Creo en dos cosas: primero, soy un ladrón; robo todo lo que oigo, veo o leo como parte de mi inspiración. Segundo, un artista auténtico no conoce la jubilación, porque la creación es una obsesión. Persigues incansablemente el sueño de la película, el libro o la música perfectos, y es como un espejismo o una pompa de jabón: sientes que estás cerca hasta que se escapa. Esa mezcla de frustración y esperanza es el mejor motor para seguir adelante.
Jean-Michel Jarre. / F Rousseau EDDA
Sus conciertos tienen una fuerte conexión con el lugar en el que se celebran. ¿Qué relevancia tiene el entorno al diseñar el sonido?
Pinto con los oídos. Mi misión en València es crear la banda sonora de una historia o película que el público pueda construir en su mente mientras disfruta de mi música y de la experiencia del espectáculo. Eso es lo que me fascina de la música instrumental en comparación con las canciones; la música electrónica desarrolla la banda sonora de una película que puedes imaginar en tu propio corazón.
¿Fue importante para usted la figura de Maurice Jarre, su padre, uno de los compositores de bandas sonoras más destacados de Hollywood?
Desafortunadamente, no tuve conexión con mi padre; nos dejó cuando yo tenía cinco años. Siempre pensé que las bandas sonoras y la música para cine eran su dominio, así que rechacé muchos proyectos porque no quería ser considerado “el hijo de Maurice Jarre”, quería ser Jean-Michel Jarre. Sin embargo, él falleció hace más de 15 años, y ahora pienso en él con mucho cariño; estoy seguro de que ahora me está ayudando a encontrar la inspiración adecuada.
¿Es complicado equilibrar la imaginación sonora y el espectáculo visual?
Para mí, la música es el centro de todo, y luego compongo la “pista visual”. Reconocí rápidamente que estar dos horas frente a un sintetizador o computadoras no es lo más emocionante del mundo. Intenté definir una gramática o un vocabulario para la interpretación de música electrónica en vivo. Cuando era joven, me atraía la ópera porque esos grandes compositores colaboraban con pintores y escenógrafos para realzar el poder de la música.
Después de una carrera tan extensa, ¿sabe cuándo una nueva pieza o espectáculo realmente funciona?
Nunca se sabe con certeza. Primero debe resonar en ti. Sin embargo, la trampa del estudio es que no puedes estar seguro de si te gusta algo porque es interesante o porque te has acostumbrado a ello. Recuerdo haber estudiado música electrónica y grabar tres minutos de ruidos en la calle; tras escucharlo repetidamente en casa, mis hijos se familiarizaron con cada canto de pájaro y sonido de bicicleta, y dejó de ser ruido para convertirse en una pieza musical. En el estudio, cuando dedicas semanas a una composición, no puedes saber si te gusta “como a tu perro”, porque la ves todos los días. Siempre es recomendable tener cerca a personas de confianza para recibir diferentes opiniones.
Cuando mencionó su postura punk, me lo imaginé como un punk clásico, de los de “no future”, con una expresión de sorpresa.
Es curioso; acabo de volver de China, donde una startup de IA recreó cómo era a los 25 años. Tuve un momento surrealista conversando con un holograma de mí mismo. Solo le dije: “No te preocupes, haga lo que haga, al final todo saldrá bien”.
Jean-Michel Jarre en concierto. / L-EMV
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Fuente original: www.elperiodico.com
Publicado originalmente el 2026-05-11 09:27:00 por
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