Sure! Here’s a rewritten version of the content while keeping the HTML tags intact:
Jean-Michel Jarre se presentará el 8 de julio en València como parte del ciclo FAR, que se lleva a cabo en la Marina Nord. Este pionero de la música electrónica vuelve a una ciudad que, como recuerda, visitó hace mucho tiempo y cuya energía particular resalta: una metrópoli en la que “todo está muy cerca” y que, para él, actúa “como un núcleo, un núcleo atómico”. El concierto coincide con un momento profundamente simbólico: el 50º aniversario de Oxygène, una obra seminal que Jarre no ve como un mero ejercicio nostálgico, sino como un experimento artístico dinámico, capaz de perdurar y de influir en generaciones sucesivas de creadores. En València, presentará un espectáculo diseñado como una experiencia inmersiva, con piezas de su catálogo completamente reimaginadas y una escenografía elaborada con inteligencia artificial “de una manera muy poética y orgánica, muy latina”.
No sé si lo sabe, pero hubo un tiempo, en los años 80, en que la música electrónica era increíblemente popular en València, incluso más que en Madrid o Barcelona, y además, ¡era música para bailar!
Recuerdo haber estado allí con amigos hace mucho tiempo; fue un momento refrescante y significativo en mi vida. Creo que València aún guarda ese vínculo especial con la música electrónica. Estoy impaciente por julio y muy emocionado de compartir un proyecto que es muy especial para mí. Interpretaré algunas canciones y piezas de mi catálogo y carrera, pero completamente reinterpretadas. Siempre he estado comprometido con la inmersión y la tecnología, intentando expandir los límites tecnológicos para ofrecer al público el mejor sonido posible. Como músico, le doy gran importancia al sonido; es lo mínimo que uno debe hacer para compartir su música. Además, en mi adolescencia, me movía entre la pintura y la música, y siempre he estado ligado a todas las artes visuales y a la tecnología visual. Esta vez, concebí el diseño escénico y la escenografía con inteligencia artificial, pero de forma muy especial: de una manera poética y orgánica, muy latina. Espero sinceramente que la gente lo disfrute tanto como yo.
Recuerdo sus conciertos televisados cuando era niño como algo extraordinario: la música, el sonido, las luces, las imágenes. ¿Es más difícil hoy en día impresionar al público en comparación con los años 70 u 80?
No estoy seguro. Creo que he contribuido a establecer una especie de gramática para los espectáculos. Cuando empecé, nadie hacía mapping o proyecciones gigantes sobre edificios, ni incorporaba luces, arquitectura de luces y láseres. Incluso las grandes bandas de rock contaban solo con algunas luces. Hoy, por supuesto, no se puede concebir un espectáculo de electrónica, rock o pop sin diseño escénico y escenografía. Pero el hecho de que haya más libros o películas no significa que haya menos creatividad; por el contrario. Al final del día, lo que importa es el contenido. Yo no estoy anclado en la nostalgia. El espectáculo que presentaré en València es muy de 2026.
Muchas personas temen la disrupción tecnológica, como la inteligencia artificial. Hay mucha controversia y se dice que la IA es el fin de la creatividad. ¿Cuál es su opinión?
Eso me recuerda al inicio de la fotografía, cuando los pintores firmaban peticiones en contra, indicando que era el fin de la pintura. O cuando introduje la música electrónica en la Ópera de Francia: algunos músicos de la orquesta desconectaban el sistema de sonido, afirmando que la música electrónica era el fin de la orquesta. Esa es una historia interminable. Estoy bastante entusiasmado con este nuevo proyecto y muy feliz de compartirlo con el público español. Siempre me siento muy privilegiado por la cálida acogida en España, desde los comienzos con Oxygène, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook y Electronica. Tengo un vínculo muy especial con España y siempre es una gran alegría.
Eso es algo que usted dirá en todos los países en los que actúe.
Sí, muchos artistas internacionales dicen que es maravilloso actuar en España como una estrategia de marketing, pero en mi caso, las primeras cartas de fans que recibí, aparte de Francia, venían de España. Una de mis frustraciones es que mi madre, que fue una gran persona, me insistió en estudiar alemán en lugar de español. Ese fue un gran error, porque tenía un nivel muy bajo de alemán y perdí la oportunidad de conectar mejor con los españoles.
Quizá esa conexión que los españoles tienen con su música se deba a que, en sus inicios, su música representaba modernidad. Y en los años 70 y 80, España tenía un gran anhelo de modernidad después de la dictadura.
Sí, así lo creo. Cuando comencé mi carrera, era un período en el que teníamos mucho optimismo sobre el futuro; pensábamos que en el año 2000 el mundo sería perfecto, que los sistemas sociales y educativos serían ideales y que los coches volarían. Mi música reflejaba ese tipo de positividad y conexión con el espacio. Nunca lo vi como vinculado al espacio exterior, sino más bien al espacio que nos rodea; Oxygène era muy simbólico en ese sentido. Siempre he buscado transmitir esa sensación de inmersión y espacio. La música está hecha de espacio y tiempo. Pero me gustaría añadir algo sobre nosotros, españoles y franceses: somos latinos. La música electrónica en sus inicios no tiene relación con el blues y el rock; no está vinculada a América. Proviene de nuestra herencia de música clásica, de la pintura, del impresionismo -el trabajo sobre texturas- y, de algún modo, también del surrealismo.
¿Cómo le han influido figuras como Breton o Dalí?
El enfoque de mezclar el sonido de un ave con un clarinete o con una lavadora es muy latino y muy surrealista. Nosotros inventamos el surrealismo, y las raíces de la música electrónica provienen de esos movimientos europeos. De adolescente, veía bandas de rock como Soft Machine o Pink Floyd y pensaba: “Esta es la revolución de mi generación, pero es una revolución sajona, no es la mía”. Cuando me adentré en la música electrónica, pensé: “Esta es nuestra revolución como artistas latinos”. Permite piezas de 10 o 11 minutos sin seguir las reglas del pop americano ni el formato de las canciones de tres minutos con letra.
Para sus fans, su música siempre ha sido la del futuro, pero, ¿qué significa hoy el futuro para usted?
Siempre considero que el pasado es un prólogo del presente o del futuro. No estoy obsesionado con el futuro; lo que me motiva es la curiosidad. Siempre he tenido el deseo de experimentar y probar nuevos lenguajes o herramientas. La tecnología es el mejor catalizador de la creatividad. Es por la invención del violín que Vivaldi creó su música; es por la electricidad que tenemos a Jimi Hendrix, Rosalía o Billie Eilish. Es gracias a los componentes electrónicos que gente como yo puede hacer la música que hace, y hoy, gracias a la inteligencia artificial que se generarán los estilos musicales y las películas del mañana. La tecnología es neutral; depende de cómo la utilices. La piratería existió antes de la electricidad y seguirá existiendo después de la IA. No deberíamos mezclar todo eso.
¿Qué es lo que más le entusiasma de la IA como herramienta creativa?
Es como cuando aparecieron las cajas de ritmos o el sampling. La gente decía que matarían a los bateristas, pero los bateristas tuvieron que evolucionar gracias a ellas. Con la IA ocurre lo mismo. Podemos crear versiones falsas de canciones pop con IA, pero también había personas que hacían falsos Picassos o Dalís; eso no cuestiona la validez de la pintura. El pincel es neutral; depende del talento detrás. Para mí, la IA es como una “supermusa”. Es menos “inteligencia artificial” que “imaginación aumentada”. Es una forma de ampliar y enriquecer mi inspiración, como un superasistente con múltiples brazos y manos, una especie de Shiva digital.
¿Debería haber algún límite en la creación con IA?
El único límite es mi imaginación, no la IA. Creo que los años 2020 serán considerados en el futuro como la edad de oro de la IA, al igual que los inicios del cine en blanco y negro o los primeros samplers. En los años 80, el “Rolls-Royce” del sampling era el Fairlight, y solo podías samplear 0,8 segundos en 8 bits. Hoy podemos samplear horas en alta definición, pero entonces hacíamos cosas muy interesantes que ya no podemos hacer. En este momento, la IA está llena de errores, limitaciones e imperfecciones; no obedece. Pero todos esos accidentes generan algo que, en 10 o 20 años, será demasiado perfecto. Mi consejo para los artistas jóvenes es que exploren la IA ahora, por sus debilidades y fallos; es una fuente increíble de inspiración.
Cuando escucha sus discos de los años 70 u 80, ¿siente que con la tecnología actual podría haber hecho algo mejor?
En absoluto. Es como ver una película en blanco y negro; no piensas “qué pena que no sea en color” cuando ves Metrópolis. Cada época tiene sus ventajas y desventajas. Para ser sincero, realmente no me interesa escuchar lo que he hecho anteriormente; no estoy en la nostalgia. Me interesa el presente. Antes de València, actuaré en Ibiza para celebrar el 50º aniversario de Amnesia. Lo interesante sobre el concepto de “amnesia” es la idea de que olvidas el pasado y el futuro; lo que importa es el presente. Es una actitud bastante punk, en un sentido positivo. Como artista, soy bastante egoísta; ante todo, creo para mí mismo. No hago esto para agradar al público; el público decide seguirme o no. Lo que realmente me importa es intentar mejorar lo que tengo en mente, que es como un espejismo que persigues toda la vida. Es como Pedro Almodóvar, los Beatles o Kubrick: es una declinación de un mismo mundo o de lo que llamamos estilo. Ves 30 segundos de una película de Almodóvar y sabes que es él. Usando las herramientas que uses, ya sea un smartphone o una cámara en blanco y negro, será tu estilo. La IA no es un peligro porque recoge del pasado, pero lo que distingue a un artista es su estilo.
¿Ese “egoísmo” es lo que le impulsa a seguir avanzando sin quedar atrapado en su pasado?
Sí y no. Creo en dos cosas: primero, soy un ladrón; robo todo lo que oigo, veo o leo como parte de mi inspiración. Segundo, un verdadero artista no conoce la jubilación, porque la creación es una obsesión. Persigues obsesivamente el sueño de la pieza de música, película o libro perfectos, y es como un espejismo o una pompa de jabón: crees que estás cerca y de repente se te escapa. Esa mezcla entre frustración y esperanza es el mejor motor para seguir.
Jean-Michel Jarre. / F Rousseau EDDA
Sus conciertos guardan una relación intensa con el lugar donde se realizan. ¿Qué importancia tiene el entorno al diseñar el sonido?
Pinto a través del sonido. Mi objetivo en València es crear la banda sonora de una historia o película que el público pueda construir en su mente mientras escucha mi música y está inmerso en el espectáculo. Eso es lo que me fascina de la música instrumental en comparación con las canciones; la música electrónica crea la banda sonora de una película que puedes imaginar en tu corazón.
¿Fue importante para usted, en este sentido, la figura de Maurice Jarre, su padre, uno de los compositores de bandas sonoras más destacados de Hollywood?
Lamentablemente, no tuve conexión con mi padre; nos dejó a mi madre y a mí cuando tenía cinco años. Siempre pensé que las bandas sonoras y la música de cine eran su dominio, así que rechacé muchos proyectos porque no quería ser “el hijo de Maurice Jarre”, quería ser Jean-Michel Jarre. Pero falleció hace más de 15 años y ahora lo recuerdo con cariño; estoy seguro de que me está ayudando a encontrar la inspiración que necesito.
¿Es difícil equilibrar la imaginación sonora y la presentación visual?
Para mí, la música es el núcleo de todo, y luego compongo la “pista visual”. Me di cuenta muy pronto de que estar dos horas detrás de un sintetizador o de un ordenador no es lo más emocionante. Intenté crear una gramática o un vocabulario para la interpretación de la música electrónica en vivo. Cuando era adolescente, me interesaba la ópera porque esos grandes músicos trabajaban con pintores y escenógrafos para potenciar el poder de la música.
Después de una carrera tan extensa, ¿sabe ya cuándo una nueva pieza o espectáculo realmente funciona?
Nunca estás realmente seguro. En primer lugar, tiene que funcionar para ti. Pero la trampa del estudio es que no reconoces si te gusta porque es interesante o simplemente porque te has acostumbrado a ello. Recuerdo haber estudiado música electrónica y grabar tres minutos de ruido en la calle; tras escuchar todo el día en casa, mis hijos se familiarizaron con cada canto de pájaro o sonido de bicicleta y dejó de ser ruido para transformarse en una especie de pieza musical. En el estudio, si pasas semanas con una canción, no sabes si realmente te gusta “como a tu perro”, porque la ves todos los días. Siempre es bueno contar con personas a tu alrededor con buen oído en quienes confíes, para recibir distintas opiniones.
Cuando ha mencionado su actitud punk, me imagino a un punk de los de antes, de los de “no future”, con cara de susto.
Es curioso; acabo de llegar de China, donde una startup de IA recreó cómo era a los 25 años. Tuve ese momento loco de hablar con un holograma de mí mismo a los 25 años. Solo le dije: “No te preocupes, hagas lo que hagas, al final todo irá bien”.
Jean-Michel Jarre en concierto. / L-EMV
Suscríbete para seguir leyendo
Let me know if there’s anything else I can help you with!
Fuente original: www.elcorreogallego.es
Publicado originalmente el 2026-05-11 09:27:00 por
Hashtags sugeridos: #Para #mí #significa #Inteligencia #Artificial #sino #Imaginación #Aumentada