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Jean Michel Jarre en una fotografía de 1988 sosteniendo uno de sus instrumentos.Gettyimages
El hombre que tenemos frente a nosotros ha pasado cuatro décadas intentando predecir el futuro, pero en este momento está cautivado por una reliquia. Lo que fascina a Jean-Michel Jarre, de 67 años, con 80 millones de discos vendidos, 3.5 millones de personas en sus conciertos y un asteroide que lleva su nombre, es una cámara Leica analógica. “A ver… Sí, creo que tenía una igual”, dice justo después de posar en la terraza de un hotel en Madrid. Aunque el tiempo le ha hecho perder su melena al estilo de jose luis rodriguez “El Puma” y las canas han invadido su cabeza, conserva la energía que lo llevó a realizar alguno de los espectáculos al aire libre más extraordinarios de finales del siglo XX. Tanto es así que, incluso antes de que le formule la primera pregunta, ya está hablando del propósito de su visita. “Es uno de los grandes proyectos de mi vida”, dice, mientras sorbe su té verde. Y comienza a desarrollar su discurso.
Lo que siente urgente por comunicar es un díptico de discos que comenzó el año pasado con Electrónica 1: La máquina del tiempo , cuyo lista de canciones causa impresión: desde jóvenes como M83, Fuck Buttons o Boys Noize hasta veteranos intocables como Laurie Anderson, Pete Townshend (The Who) o Juan carpintero, y figuras de los 90 como moby (“el Woody Allen del techno. Mezcla alegría y melancolía”, afirma), 3D de Massive Attack o Air. Lo que podría interpretarse como un auto homenaje del hombre que convirtió la música electrónica en un superventas a mediados de los 70, él lo describe como una carta de amor a “la familia de la música electrónica”.
Jarre celebrando el éxito de uno de sus conciertos en los años 80.Gettyimages
“No tenía la intención de relatar la historia del género”, aclara, “pero sí quería mostrar que, a pesar de pertenecer a diferentes décadas, todos estos músicos compartimos algo en común. La electrónica tiene un carácter atemporal. Cuando empecé, me veían como una especie de extraterrestre que tocaba máquinas raras que la gente ni siquiera consideraba instrumentos. Pero yo siempre supe que se convertiría en la forma más popular de hacer música, más allá de los géneros. El pop y el rock conquistaron el mundo, pero la música electrónica es universal: es una forma de acercarse a la composición. Una manera de crear”.
En abril de este año, lanzó una segunda parte, con una mezcla de colaboradores aún más diversa: Cindy Lauper, la musa del pop de vanguardia Julia Holter, el rey del techno Jeff Mills, el exanalista de la NSA -y fugitivo de EE. UU.- Edward Snowden, y hasta David Lynch. “Le envié tres demos y me devolvió un Triturar de las tres, muy Carretera perdida, muy oscuro. Me encantó”, comenta sobre el director de Terciopelo azul. Todos los colaboradores, asegura durante la conversación, aceptaron de inmediato, algo que le llena de orgullo. Pero, cuando se le pregunta si se considera en alguna medida el padre de músicos como Anthony González (M83), quien le profesa una admiración absoluta, desestima la afirmación y recuerda a su maestro, el pionero de la música concreta Pierre Schaeffer. “Si hay personas que me consideran su padre, él es el abuelo de todos nosotros”, explica. “Él fue quien originó el concepto que revolucionó todo lo que vino después: que la música no se compone solo de notas, sino también de sonidos. Hoy en día, todos los DJ son diseñadores de sonido, aunque no lo sepan. Esa idea fue la que me llevó en la dirección que tomé, en lugar de cualquier otra”.
«Los 90 fueron excesos, pero ¿cómo decíes que no a tocar en las pirámides de Egipto?»
En sus inicios, el joven Jarre se sentía dividido entre la tradición clásica que le inculcó su madre (resistente francesa) y sus abuelos, las bandas de rock en las que tocaba y las artes plásticas. Su padre, el compositor Maurice Jarre, los abandonó a los cinco años para irse a Estados Unidos, donde creó bandas sonoras como la de Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago. “Sin querer hacer un psicoanálisis barato”, dice sobre esa figura ausente, “todos sabemos que es mejor tener un conflicto con tu padre que no tener nada en absoluto. La nada es lo más difícil de aceptar. Por eso, la música para mí siempre ha sido una terapia, y así ha sido durante el resto de mi vida. Probablemente me ha ahorrado un buen dinero en psicólogos”. Su encuentro con Schaeffer sería fundamental para dar forma al Jarre que conocemos hoy. “Entonces comprendí que la electrónica era como la pintura moderna”, añade. “Al igual que Jackson Pollock, manejas texturas con tus manos de una manera muy sensual. Es como cocinar frecuencias. Siempre he pensado que mi trabajo se trata de lo invisible, de hacer vibrar el aire. Con pequeñas diferencias, puedes hacer que la gente llore, que desee sexo o que se mueva hasta que termine la noche”.
Además, él descubrió una nueva finalidad para esas vibraciones: vender discos como si fueran pan recién horneado. Tras ser rechazado por varias discográficas, Oxígeno se convirtió en un éxito internacional en 1976. Aún hoy, sigue siendo el disco de un artista francés más vendido en el mundo, con más de veinte millones de copias, haciendo casi imposible que alguien creciera en los 80 sin encontrarse con un casete de ese álbum. A ese éxito le siguió otra faceta que eventualmente se convirtió en la imagen por defecto de Jean Michel Jarre para millones de personas: el creador de faraónicos conciertos en distintas partes del mundo.
Jarre con melena y uno de sus teclados.
En cuatro ocasiones, estableció el récord Guinness por el concierto más multitudinario jamás realizado, y todavía lo ostenta por su actuación en 1997 en la Plaza Roja de Moscú. En los años 80 y 90, parecía querer alcanzar nuevas alturas, incluso el espacio: el accidente del Challenger frustró su idea de incluir un solo de saxo grabado por el astronauta Ron Mac Nair en un disco. Sin embargo, él niega esa imagen megalómana. “Sé que se me ha relacionado mucho con récords y cosas por el estilo”, admite, “pero en la música nadie aspira a ser el Usain Bolt de nada. Al principio pensaba en cómo llevar la música electrónica al directo y, como siempre he considerado que la música consiste en crear ondas en el aire, tenía la idea de que la electrónica debía tocarse al aire libre. Por otro lado, siempre me ha interesado la ópera, ya que me parecía que encajaba muy bien, porque ver a alguien detrás de sintetizadores o un ordenador durante dos horas no es lo más cautivador del mundo. Por eso decidí utilizar los avances tecnológicos de la época: vídeo, luces, láseres… El primero de estos conciertos, en París, fue un experimento, pero asombró a un millón de personas. Me costó un año recuperarme del shock”.
No solo se recuperó, sino que continuó llegando a lugares que ningún otro músico había alcanzado. “El concierto en Porcelana no fue idea mía”, explica sobre los directos que lo convirtieron en el primer artista occidental en tocar en la República Popular en 1982. “Me invitaron a tocar allá, y se convirtió en un gran acontecimiento. En ese momento, la gente no sabía quiénes eran Los Beatles, Chaplin o Walt Disney. Era como tocar en la luna, como conocer a habitantes de otro planeta. En esa época, todo en mi vida se volvió enorme e incontrolable. Los 80 y los 90 estuvieron llenos de excesos. Te ofrecían cosas, y ¿cómo puedes decir que no a tocar en las pirámides de Egipto? Pero, de repente, te encontrabas rodeado de tiburones. Creo que todos caímos en esa trampa. No me arrepiento, pero estoy convencido de que esas experiencias marcaron el principio del declive de la industria discográfica. Mucha gente perdió el rumbo. Quizás yo también lo perdí un poco”.
Jean Michel Jarre en una foto actual.
Esos espectáculos contribuyeron a forjar una imagen futurista de Frasco que perdura hasta hoy. “Si tuviera la oportunidad de viajar en el tiempo, sin duda elegiría ir hacia el futuro en vez de mirarme en el pasado”, afirma. “No me interesa revisitar el ayer”. Pero el futuro, en 2015, no es lo que esperábamos. “Cuando el hombre llegó a la luna, parecía que todos podríamos viajar a distintas partes del universo, como en 2001: una odisea del espacio. Pensábamos que todo mejoraría, pero después del año 2000, nos volvimos pesimistas. La visión que tenemos del futuro hoy es sombría y nos atemoriza. Mirábamos a la tecnología de una forma muy ingenua, y ahora hemos descubierto su lado oscuro. La pieza que hice con 3D de Massive Attack trata sobre eso, sobre cómo todos hemos pasado a ser espías de los demás a través de Facebook, y la canción con Laurie Anderson narra la historia de amor entre una persona y su teléfono inteligente. Ahora mismo, mucha gente interactúa más con su dispositivo móvil que con su pareja. Tenemos que reinventar nuestra percepción del futuro, y creo que tenemos que hacerlo a través del arte y la música. Ese es nuestro rol”.
“Apuesto a que el punk del futuro se rebelará contra Internet”, prevé
Llegado a este punto, no podemos evitar preguntar cómo cree Frasco que será nuestro incierto futuro. “Apuesto a que el punk del futuro se alzará en contra de Internet”, anticipa, señalando que en el futuro se considerará a la red como la maquinaria de marketing más colosal de la historia. Me imagino a las generaciones futuras mirando hacia atrás y diciendo ‘¿puedes creer que nuestros padres y abuelos pasaban su tiempo tomando fotos de sus zapatos, calcetines o tazas de café y lo compartían con el mundo?’. Quizás él esté allí para narrarlo. ¿Le queda algo por hacer al hombre-máquina? “Sí, hay una cosa muy concreta”, asegura con seriedad. “Cumplir mi sueño como músico. Para mí, el proceso creativo es una mezcla de frustración y esperanza. La frustración de no estar satisfecho con lo último que has hecho y la esperanza de que lo siguiente sea mejor. Es una carrera obsesiva hacia el disco ideal, hacia la composición o el concierto que tengo en mente. Avanzas y sigues viéndolo a la misma distancia. Así es el proceso creativo: un espejismo. No sé si lo lograré, pero seguiré intentándolo mientras mi cuerpo me lo permita”.
Fuente original: elpais.com
Publicado originalmente el 2016-06-16 07:00:00 por
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