En 2016, Jean-Michel Jarre presentó Oxygène 3, cerrando un viaje que comenzó con su álbum debut Oxygène en 1976. En ese año, reflexionó sobre Progreso, profundizando en su inspiración para crear el original, cómo este se convirtió en el disco clave de su carrera y el enfoque que llevó a este último capítulo de la historia.
Jean-Michel Jarre atraviesa épocas emocionantes, incluso para sus estándares elevados. Sus dos álbumes electronica —2015 La máquina del tiempo y el reciente El corazón del ruido— cuentan con colaboraciones de renombre como Tangerine Dream, Massive Attack, Hans Zimmer, Laurie Anderson, The Orb, John Carpenter y más, logrando grandes éxitos en toda Europa y colocándolo en el Top 10 del Reino Unido por primera vez en 25 años.
Esta combinación de éxitos lo ha llevado a realizar una extensa gira por el continente este otoño, llenando estadios desde Cardiff hasta Copenhague y de Bruselas a Budapest. A sus 68 años, y considerando que ha vendido 80 millones de álbumes a lo largo de su carrera, la influencia comercial y artística de Jarre parece estar en su máximo apogeo, comparable al de 1977, cuando Oxygène lo transformó de compositor de música de biblioteca a superestrella internacional.
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Dada esta evaluación simétrica, es completamente adecuado que Jarre haya optado por lanzar un tercer volumen de Oxygène. No obstante, no fue una decisión premeditada. “Durante el proyecto electronica, creé una pista que no encajaba con las demás canciones”, dice Progreso. «Guardé esa idea en mi mente. Cuando la compañía discográfica sugirió hacer algo especial para el 40 aniversario de Oxygène, pensé que sería bueno usarlo como pretexto para esta fecha».
Nominalmente, el nuevo álbum es una secuela de Oxygène 7-13 de 1997, pero Jarre tenía más interés en seguir el original como un modelo de trabajo. “El primer álbum de Oxygène lo hice en seis semanas con herramientas muy limitadas”, explica. “Así que consideré que sería divertido volver al estudio con el mismo enfoque minimalista, especialmente después del extenso proyecto electronica, que requirió mucha planificación y producción intensa.
«No quise escuchar mi trabajo anterior en absoluto. La idea no era revisitizar el original de Oxygène o emplear los mismos instrumentos. Eso hubiera sido redundante. Pero mantuve la misma filosofía. Oxygène no es solo una serie de canciones con títulos distintos, sino un concepto general, como una película o una colección de relatos. Pensé: ‘Bueno, me limitaré a un número reducido de elementos aquí y, en algunos momentos, solo usaré partes con solo dos o tres instrumentos’. Así que lo creé todo de una sola vez, manteniéndolo así, y luego me fui de gira, dejándolo atrás”.
Otro paralelo proviene del artista Michel Granger, cuyo famoso diseño de calavera terrestre se ha convertido en el símbolo visual de Oxygène. Oxygène 3 toma esencialmente la misma imagen, esta vez desde un perfil, y profundiza su tono, sugiriendo una sensación más siniestra.
Jean-Michel Jarre – Oxígeno, pt. 17 (Video musical oficial) – YouTube
«Hice el primer álbum en la era del vinilo, cuando siempre estábamos pensando en las caras uno y dos. Otra característica de Oxygène es que tiene melodías alegres, pero también es bastante oscura, como la portada. Decidí que sería interesante mantener esta idea, pero hacerlo de una manera ligeramente diferente. Así que le pedí a Michel que girara la tapa hasta cierto punto para Oxygène 3. Pensé: ‘¿Por qué no hacer que la cara uno sea oscura y luego la cara dos más brillante o melódica?’ Realmente comencé desde ahí”.
No debería sorprendernos que Oxygène 3 se aleje del techno contundente y los ritmos densos que definieron electronica. En cambio, es un regreso completamente moderno a la fantasía cósmica que caracterizó el original, con melodías radiantes y capas ingeniosas de sonido sintético.
“Ya llevaba 10 años trabajando en música electrónica cuando grabé Oxygène”, dice Jarre, recordando la génesis del álbum, grabado en un estudio improvisado en su hogar de París en 1976. “Me ganaba la vida haciendo otras cosas y produciendo cantantes de rock franceses. Pero estaba obsesionado con crear un puente entre la experimentación y la melodía pop. Me encantaba ese desafío, jugar con el diseño de sonido e integrar melodías.
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Stockhausen estaba completamente loco… se consideraba hecho de sonido, biológicamente.
“Cuando hice Oxygène, no tenía idea de que tendría éxito. Fue rechazado por todas las discográficas a las que lo envié. Al final, un pequeño sello (Les Disques Motors) lo aceptó. Luego, Radio One transmitió el álbum completo durante su primera semana de lanzamiento. Eso era muy raro; eso fue lo que lo inició todo”.
La idea de combinar música experimental con texturas más accesibles se remonta a la adolescencia de Jarre con la banda vanguardista The Dustbins. En 1968, había casi dejado de lado los instrumentos convencionales, jugando con loops de cinta y otros equipos electrónicos.
«La principal diferencia con la música electrónica es que se crea en términos de sonido, no solo de notas», comenta. «Es algo completamente distinto. Cuando era adolescente me gustaba procesar mi guitarra o mi órgano, reproducir la cinta al revés y cambiar la velocidad. Entonces, el baterista de mi banda sugirió: ‘Deberías reunirte con esos locos que trabajan en la radio pública francesa. Ellos hacen lo mismo que tú y tienen laboratorios'».
Intrigado, Jarre, entonces de 21 años, se unió en 1969 al Groupe de Recherches Musicales, dirigido por el destacado compositor y musicólogo Pierre Schaeffer. Fundado originalmente en la Institución de Radio Francesa, el GRM ha estado activo desde los años 50. Schaeffer acuñó el término “musique concrète” y, entre otras cosas, ayudó a ser pionero en el muestreo.
“Cuando fui allí por primera vez, me cautivó inmediatamente lo que estaban haciendo”, recuerda Jarre. «La música electrónica debe mucho a las estaciones de radio públicas: el laboratorio de la BBC, el laboratorio alemán donde trabajaba Stockhausen y, por supuesto, el de París. Estuve tres años con Pierre Schaeffer y, posteriormente, fui a Colonia a colaborar con Stockhausen. Estaba completamente loco, pero era un genuino genio. Se consideraba hecho de sonido, biológicamente, lo que le daba a su enfoque un matiz surrealista, sorprendente y realista al mismo tiempo. Fue muy interesante».
Al amanecer de los años 70, la llegada de nuevas tecnologías abrió un amplio espectro de posibilidades para Jarre y otros compositores electrónicos. El sintetizador Moog comenzaba a ganar popularidad en Estados Unidos, pero su alto costo significaba que solo unos pocos podían permitirse uno.
Arthur C. Clarke me decía: ‘Sabes, deberías acabar Oxygène algún día.’
“Empecé con un VCS3 de fabricación británica de EMS (Electronic Music Studios, con sede en Londres), creado por un genio llamado Peter Zinovieff”, explica Jarre. «Era una especie de versión europea del Moog. En aquellos tiempos, Europa no era tan rica como Estados Unidos, por lo que el sonido era más seco. En cierto sentido, era un sintetizador punk; tenía un carácter muy crudo y áspero. Me encantó; todavía hoy lo llevo al escenario conmigo.
«Comencé a hacer música en una época en la que no creábamos música electrónica con sintetizadores como tal, sino más bien con un banco de osciladores que sustraíamos de los estudios de las estaciones de radio. Utilizábamos todos los filtros técnicos que emplearían para configurar su sistema de transmisión, secuestrando este equipamiento para hacer música. Eso significaba que, en cierto sentido, podías crear tus propios instrumentos. El truco para quienes comienzan es establecer tus propias limitaciones. Entonces podrás expresar mejor lo que tienes en mente».
La imposición de su propio conjunto de restricciones alimentó directamente la creación de Jarre en Oxygène. Es un disco en torno al cual ha construido un legado notable, ya sea a través de álbumes de gran éxito como Equinoccio y Campos magnéticos o espectáculos masivos en Moscú, Egipto y, como el primer occidental, en China.
Al igual que Mike Oldfield y Campanas tubulares, Oxygène ocupa un lugar especial en la mitología de Jarre. “Cuando has tenido la suerte de alcanzar cierto éxito con tu primer proyecto, siempre será parte de tu ADN, sin importar lo que hagas después”, afirma. «Es como la primera película de Tarantino o Kubrick. Para mí, es lo mismo con Oxygène. Disfruto de muchas otras obras que he realizado y me siento muy orgulloso de todas ellas, pero Oxygène es algo único”.
Queda una pregunta muy evidente: ¿es Oxygène 3 la última entrega? «Creo que sí. Antiguamente, solía estar bastante cerca de Arthur C. Clarke, y él me decía: ‘Sabes, deberías concluir Oxygène algún día’. Para él, era como un viaje al espacio, excepto que podías volver a una tierra diferente. Escribía sobre este tipo de conceptos, así que esa idea tenía bastante sentido para él. Pensé mucho en eso al llegar el momento de componer la última canción del nuevo álbum.
“Oxygène 20 es una pieza extensa que es bastante armoniosa, pero tiene una especie de grito que no necesariamente causa miedo, pero es muy conmovedor. Cuando regresas a atravesar la atmósfera de cualquier planeta, todo arde y luego se convierte en cenizas. Era algo que quería expresar al final de Oxygène 3. Creo que es una forma muy buena de concluirlo”.
Fuente original: www.loudersound.com
Publicado originalmente el 2024-08-24 07:00:00 por
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